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El artículo 718. Tendencias de guion en 2025 según la Black List se publicó primero en David Esteban Cubero . ¿Qué películas se escriben en la actualidad? ¿Cuáles son las tendencias de guion en 2025? Hoy en Guiones y guionistas os voy a contar cuáles son las tendencias de los guionistas en la actualidad , pero no basándome en las películas estrenadas, sino en la Black List, que son los grandes guiones que no han sido rodados. Hace semanas hice una masterclass en el que explicaba el trabajo de un guionista en un proyecto para una plataforma de streaming. Es una masterclass que gustó mucho. Pero hubo algunos que me pidieron algo más específico para relacionarse con estas empresas, por lo que he creado la Masterclass “Cómo tratar con Plataformas” . Una masterclass en la que explico el decálogo que debemos seguir para tratar con las empresas de streaming. Tratamos elementos como la importancia de proteger tu IP. Ya está disponible para todos los suscriptores de la academia de cursos. Tendencias de guion en 2025 ¿Qué películas escribir en 2025? ¿Cuáles son las tendencias del mercado? ¿Cuáles son los géneros que los mejores guionistas están escribiendo en la actualidad? Para resolver estas preguntas decidí analizar, no las películas que salieron el año pasado, sino los guiones de la Black List. La Black list es una plataforma con una base de datos internacional a la que guionistas de todo el mundo pueden subir sus obras en inglés. Dichos guiones pueden ser consultados por más de 3.000 empleados de productoras de Hollywood y de fuera de Estados Unidos que buscan esos buenos guiones. Fue creada por pura necesidad por Franklin Leonard cuando era director de desarrollo de la productora de Leonardo di Caprio. Él necesitaba buscar buenos guiones y pensó cómo podría valorar esos guiones de una forma más objetiva Entonces se le ocurrió enviar un mail a sus colegas de otras productoras pidiéndoles elegir de manera anónima los diez mejores guiones que habían leído recientemente y que por alguna razón no habían sido elegidos para ser convertidos en películas. Hubo 93 guiones mencionados en las respuestas. Leonard recogió los resultados, hizo un ranking basado en el número de menciones que cada guion había recibido y mandó la lista a todos sus contactos desde una dirección de correo electrónico anónima. Así nació la primera «Black List», que se popularizó rápidamente. Y cada vez tuvo más relevancia porque muchos de los guiones que aparecieron en ella se convirtieron en filmes exitosos, aplaudidos por la crítica y el público. Desde su primera publicación en 2005, más de 300 guiones se convirtieron en películas que recaudaron 26 mil millones de dólares en todo el mundo, fueron nominadas a 265 premios Oscar y ganaron 48 estatuillas. Entre ellas se encuentran incluso algunas ganadoras del Oscar a mejor película, como Slumdog Millionaire, El discurso del rey, Argo y Spotlight y diez de los últimos 20 Oscar a mejor guion. Análisis de tendencias en la Black List 2024 La Black List 2024 ofrece un interesante panorama de los temas, géneros y enfoques narrativos que están captando la atención de la industria cinematográfica en este momento. A partir del informe, con 60 títulos, he identificado varias tendencias clave: DESCARGAR Informe de la Black List 2024 1. Dominio del thriller psicológico y el terror Se observa una fuerte presencia de thrillers psicológicos y de terror, con enfoques variados que incluyen horror psicológico, ciencia ficción y hasta sátira social. Algunos ejemplos de claves: «CÓMO SALVAR UN MATRIMONIO» (pareja atrapada en un retiro de pareja que en realidad es una secta). «MOMMY’S HOME» (un joven revive a su madre criogenizada con consecuencias terroríficas). «MOTHERBOY» (thriller psicológico sobre una relación madre-hijo retorcida). «HOWL» (un actor asegura que se convertirá en hombre lobo en vivo por televisión). «EL LADO CONTRARIO DEL ARCO IRIS» (drama basado en los problemas durante el rodaje de El Mago de Oz ). El cine de terror sigue explorando la intersección entre lo psicológico y lo sobrenatural, con un énfasis en el horror cotidiano y los dilemas morales. 2. Inteligencia Artificial y dilemas tecnológicos El auge de la IA se refleja en varias historias que exploran sus riesgos y dilemas éticos: «ALIGNMENT» (crisis corporativa en una empresa de IA que podría causar una catástrofe global). «AIDa» (una madre contrata a una niñera IA que termina siendo más peligrosa de lo esperado). «TIMESHARE» (una pareja permite que un millonario habite temporalmente en el cuerpo de la esposa con consecuencias devastadoras). «THE 13TH HOUR» (jóvenes reparan un reloj que les da una hora extra en que sus acciones no tendrán consecuencias, explorando temas de moralidad y libre albedrío). Estas historias reflejan la creciente preocupación sobre el impacto de la IA en la sociedad, con un enfoque más cercano a lo filosófico ya la paranoia tecnológica. 3. Fuerte presencia de historias de mujeres protagonistas La lista incluye un gran número de relatos centrados en personajes femeninos con tramas diversas y complejas: «PLAYDATE» (guerra psicológica entre dos madres que fueron enemigas en la infancia). «ZADDY» (una entrenadora fitness en Los Ángeles se involucra con un hombre mayor con un pasado complicado). «NASTY» (una gimnasta que lucha por recuperar su lugar tras una lesión). «FELLOWSHIP» (una artista entra en la élite del arte en Nueva York y descubre su lado más oscuro). «SATURN RETURN» (drama romántico sobre una mujer que se reencuentra con su ex en el funeral de su padre). Esta tendencia muestra un creciente interés por explorar la psicología femenina desde ángulos más profundos, a abarcar desde el drama hasta el thriller y la sátira. 4. Basado en hechos reales y biopics no convencionales El género basado en hechos reales sigue siendo fuerte, pero con un enfoque innovador en historias menos convencionales: «BUST» (escándalo de los implantes mamarios en los años 90). «TICKLE ME ELMO» (cómo un juguete salvó Barrio Sésamo y alteró Wall Street). «TONY» (la juventud de Anthony Bourdain). «GOLDEN BOY» (la contratación de Diego Maradona en el Napoli). «BITTER SWEET SYMPHONY» (la historia de la canción de The Verve y la batalla legal con los Rolling Stones). Estas películas se alejan de los biopics tradicionales sobre figuras históricas y buscan contar historias más peculiares con relevancia cultural. 5. Sátiras sociales y críticas al capitalismo Varias películas abordan de manera crítica la cultura del consumismo, el capitalismo extremo y la desigualdad social: «ASSEMBLY REQUIRED» (trabajadores atrapados en un tiroteo dentro de un IKEA). «OVER ASKING» (una pareja aparentemente perfecta comienza a cuestionar las dinámicas de poder y género en el matrimonio). «ROAD TEST» (una mujer toma su examen de conducir y se encuentra con un instructor psicópata). «RIDE OR DIE» (un instructor de spinning y sus alumnos son rehenes de un terrorista en una clase en vivo). «KING OF THE FRESHMAN» (el auge y caída de Abercrombie & Fitch). Este tipo de sátiras siguen la línea de películas como The Menu , Triangle of Sadness o Sorry to Bother You , mostrando un interés en explorar la desigualdad de manera entretenida y provocadora. 6. Nuevas aproximaciones al amor y las relaciones El romance sigue siendo un género fuerte, pero con enfoques más originales y oscuros: «LOVE OF YOUR LIFE» (amor que cambia la vida de una enfermera de forma inesperada). «LOS 7 CHICOS CON LOS QUE SALES ANTES DEL MATRIMONIO» (comedia sobre las relaciones previas al matrimonio). «TOLUCA LAKE» (un hombre descubre que su novia perfecta es solo una alucinación causada por un tumor cerebral). «¿ERES TÚ?» (una madre escribe ensayos sobre su hija, pero los traumas del pasado cobran vida). «UNTIL YOU» (dos solteros se encuentran y viven un amor como nunca, con un secreto que lo amenaza todo). En lugar del romance tradicional, las historias exploran obsesiones, identidad y las dificultades del amor en la era moderna. Conclusión: Una Black List diversa y con riesgos narrativos El panorama de la Black List 2024 muestra que Hollywood sigue buscando historias con un fuerte impacto psicológico y social. Las tendencias más marcadas incluyen: Thrillers psicológicos y de terror con enfoques originales. Temáticas sobre IA y dilemas tecnológicos con un giro filosófico. Mayor protagonismo femenino , con personajes ricos y complejos. Historias basadas en hechos reales , pero alejadas de las biografías tradicionales. Críticas al capitalismo y la sociedad de consumo en forma de sátira o thriller. Exploraciones poco convencionales del amor y las relaciones , con giros oscuros y psicológicos. Esta lista destaca una tendencia hacia narrativas más atrevidas y menos convencionales, lo que sugiere un interés por historias que desafíen los géneros tradicionales y exploren nuevas formas de contar historias en la pantalla grande. El artículo 718. Tendencias de guion en 2025 según la Black List se publicó primero en David Esteban Cubero .…
 
El artículo 717. Técnicas de inicio: Racconto se publicó primero en David Esteban Cubero . ¿Qué tienen en común, películas como Titanic , Big Fish o La Princesa Prometida ? Que comienzan con una narración en racconto . ¿En qué consiste el racconto y en qué se diferencia del flashback? ¿Qué pasos debemos dar para escribir una película con racconto ? Hoy volvemos a las técnicas de inicio con un recurso que bien usado puede conseguir resultados increíbles: el racconto . Hace semanas hice una masterclass en el que explicaba el trabajo de un guionista en un proyecto para una plataforma de streaming. Es una masterclass que gustó mucho. Pero hubo algunos que me pidieron algo más específico para relacionarse con estas empresas, por lo que he creado la Masterclass “Cómo tratar con Plataformas” . Una masterclass en la que explico el decálogo que debemos seguir para tratar con las empresas de streaming. Tratamos elementos como la importancia de proteger tu IP. Ya está disponible para todos los suscriptores de la academia de cursos. Qué es un racconto y en qué se diferencia de un flashback Un racconto es una técnica narrativa en la que la historia se cuenta en un extenso flashback que ocupa la mayor parte del relato , generalmente enmarcado dentro de una narración en el presente. Es un recurso frecuente en el cine y la literatura para explorar el pasado con una perspectiva reflexiva, emocional o reveladora. En un racconto , la historia del pasado se convierte en el eje central de la trama , mientras que la historia enmarcada en el presente sirve como punto de partida y cierre . Ejemplos icónicos incluyen Titanic (1997), donde Rose anciana relata su experiencia en el barco, o Big Fish (2003), donde el hijo reconstruye la historia de su padre a través de sus relatos fantásticos. La diferencia fundamental entre un racconto y un flashback radica en la extensión y la función dentro de la estructura narrativa. Un flashback es un regreso breve al pasado dentro de una historia mayormente lineal. Se usa para proporcionar información clave sobre un personaje o su motivación, pero la trama principal sigue desarrollándose en el presente. En cambio, un racconto invierte esta relación: el pasado se convierte en la historia principal, mientras que el presente funciona como marco narrativo. Un ejemplo de flashback bien usado es El Padrino II (1974), donde se intercalan momentos del pasado de Vito Corleone con la historia presente de su hijo Michael, pero sin que la narración del pasado domine toda la película. Otro aspecto diferenciador es el impacto emocional y estructural. En un flashback , el objetivo es completar información sin alterar demasiado la progresión de la historia principal. En un racconto , la historia del pasado cobra un peso emocional que suele resignificar el presente cuando se regresa a él al final del relato. En Los Puentes de Madison (1995), por ejemplo, la narración del romance de Francesca con Robert en el pasado cambia la perspectiva que sus hijos tienen sobre su madre, alterando incluso sus propias vidas. El pasado no es solo un recuerdo, sino una experiencia que transforma a quienes la descubren. Finalmente, el racconto tiende a crear una sensación de ciclo narrativo, ya que la historia del pasado y la del presente están conectadas de manera simbólica o emocional. En La Princesa Prometida (1987), el abuelo lee un cuento a su nieto enfermo, y aunque en un principio el niño no está interesado, al final ha cambiado su actitud y pide que se lo vuelvan a leer, cerrando la historia con una resonancia emocional. Este tipo de estructura no es común en los flashbacks , que suelen ser fragmentos informativos sin una conexión tan fuerte con la historia principal. Así, el racconto se diferencia no solo en su extensión, sino también en su profundidad temática y emocional. Elementos clave de una narración con racconto 1. Marco narrativo (o historia enmarcada) El racconto siempre tiene un marco narrativo que justifica la narración del pasado. Puede ser un personaje contando la historia a otro (como en Titanic , donde Rose anciana relata su experiencia en el barco), la lectura de un diario ( El Curioso Caso de Benjamin Button ), o un cuento dentro de la historia ( La Princesa Prometida , donde un abuelo lee un libro a su nieto). Este marco es esencial porque establece el punto de vista desde el que se va a contar la historia y permite jugar con la percepción del espectador. La historia enmarcada puede servir como contraste con la historia del pasado, generando una capa de interpretación adicional. En Big Fish , por ejemplo, la narración del padre y la investigación del hijo sobre la verdad detrás de esos relatos crean una dinámica emocional en la que el espectador se pregunta qué es real y qué es exageración. Este marco no solo introduce la historia, sino que también le da un cierre, aportando una sensación de ciclo completo. 2. Ruptura de la linealidad temporal El racconto altera el orden cronológico natural de los hechos, llevando al espectador del presente al pasado de manera extendida. A diferencia de un flashback breve, el racconto se adentra en una estructura más compleja donde el grueso de la película transcurre en el pasado, con ocasionales regresos al presente para reforzar la historia enmarcada. Un buen ejemplo es Los Puentes de Madison , donde los hijos de la protagonista descubren la historia secreta de su madre a través de cartas y recuerdos, revelando un amor oculto que cambia su percepción de ella. En este tipo de narración, el espectador suele experimentar la historia del pasado como si fuera la principal, olvidándose momentáneamente de que está siendo contada desde otro punto temporal. 3. Presencia de un narrador subjetivo En la mayoría de los raccontos , la historia del pasado nos llega a través de un narrador que, por definición, es subjetivo. Puede ser un personaje que cuenta su propia vida ( Titanic con Rose, Benjamin Button con su diario) o alguien que transmite una historia que escuchó ( Big Fish con los relatos del padre). Esta subjetividad es crucial porque le da matices emocionales y, en algunos casos, juega con la confiabilidad del narrador. En Big Fish , la historia se filtra a través de la visión fantástica del protagonista, lo que hace que los eventos narrados tengan un tono de fábula, incluso cuando la historia enmarcada en el presente trata de descubrir la «verdad». Este uso de la subjetividad permite a los guionistas jugar con la percepción del espectador y, en algunos casos, desafiar la idea de que la verdad es absoluta. 4. Relación entre pasado y presente Uno de los aspectos más interesantes del racconto es cómo el pasado influye en el presente. La historia enmarcada no está ahí solo como pretexto, sino que suele evolucionar a medida que se cuenta la historia del pasado. Esto permite que los personajes del presente cambien su percepción sobre los eventos o incluso sobre sí mismos. Por ejemplo, en Los Puentes de Madison , el racconto no solo revela la historia de amor de Francesca, sino que también afecta la decisión de sus hijos en el presente. En Titanic , la narración de Rose no solo revive la historia del barco, sino que también le da un cierre emocional a su vida. Esta interconexión entre pasado y presente refuerza el impacto de la historia y le da un sentido más profundo. 5. Cierre cíclico y emocional Un racconto bien ejecutado suele cerrar con un retorno al presente que resignifica todo lo narrado. No se trata solo de un final, sino de una reafirmación de los temas y emociones que la historia ha explorado. En muchas películas, el final del racconto deja un impacto en la historia enmarcada, transformando a los personajes o dándoles una nueva comprensión de lo que vivieron. En Titanic , después de contar su historia, Rose lanza el collar al mar, simbolizando que finalmente deja atrás ese capítulo de su vida. En Big Fish , el hijo termina aceptando la visión de su padre y se convierte en el nuevo narrador de sus historias. En La Princesa Prometida , el nieto, que al principio estaba desinteresado en el cuento, termina pidiendo que se lo vuelvan a leer. Estos cierres no solo cierran la historia, sino que refuerzan su mensaje y dejan una fuerte carga emocional en el espectador. Pasos para escribir una narración con racconto 1. Definir la necesidad del racconto Antes de comenzar a escribir, el guionista debe preguntarse: ¿Por qué la historia debe contarse desde un recuerdo y no de manera lineal? ¿Cómo afecta en la narración enmarcada la percepción del pasado? ¿El presente y el pasado están conectados de una manera significativa? Por ejemplo, en Titanic , la historia necesita ser contada desde el presente porque el punto de vista de Rose anciana le da un tono nostálgico y permite contrastar la juventud y la vejez. Sin esta estructura, la historia perdería parte de su carga emocional. 2. Crear la historia enmarcada (el presente) El racconto necesita un marco narrativo sólido que justifique por qué el pasado está siendo contado. Este marco puede ser: Un personaje que recuerda su vida ( Titanic , Los Puentes de Madison ). Alguien que reconstruye la historia de otra persona ( Big Fish ). Un documento o diario que revela el pasado ( El Curioso Caso de Benjamin Button ). Un relato oral con un público dentro de la historia ( La Princesa Prometida ). El presente debe tener una razón de ser. En Big Fish , el hijo necesita entender a su padre antes de que muera, lo que da sentido a la estructura en racconto . Si el presente no tiene relevancia, el riesgo es que se convierta en un simple pretexto en lugar de un elemento narrativo significativo. 3. Planificar la historia del pasado (el núcleo del racconto) Una vez establecido el marco narrativo, el guionista debe diseñar la historia principal, la que transcurre en el pasado. Para ello, debe responder: ¿Quién es el narrador de la historia y qué tan confiable es? ¿Cuál es el punto de inicio y fin del pasado narrado? ¿Cómo evoluciona la historia en relación con el presente? En Los Puentes de Madison , el pasado se centra en los cuatro días de amor entre Francesca y Robert. En Titanic , el pasado recorre toda la historia de amor de Jack y Rose hasta el hundimiento del barco. Es crucial decidir qué eventos del pasado son relevantes para la historia enmarcada. 4. Decidir la relación entre pasado y presente El racconto no es solo una historia del pasado, sino un juego entre dos líneas temporales. Para integrarlas bien, el guionista debe preguntarse: ¿Cómo se conectan ambos tiempos narrativos? ¿Habrá transiciones visuales o narrativas entre el presente y el pasado? ¿El presente intervendrá en el relato con interrupciones o solo al inicio y al final? Por ejemplo, en Titanic , la narración regresa ocasionalmente al presente para mostrar la reacción de los exploradores y Rose anciana, lo que mantiene al espectador consciente de la historia enmarcada. En Big Fish , el hijo cuestiona los relatos del padre, generando tensión entre ambas líneas temporales. 5. Escribir la transición entre presente y pasado El momento en que se introduce el pasado debe ser orgánico y claro. Algunas formas efectivas de transición son: Un objeto que conecta ambas épocas (el dibujo de Rose en Titanic ). Un personaje iniciando el relato ( Big Fish con Edward contando sus historias). Un descubrimiento que abre el pasado ( Los Puentes de Madison con los diarios de Francesca). Estas transiciones deben sentirse fluidas, sin que la entrada al pasado sea abrupta o confusa. Si la historia enmarcada desaparece durante demasiado tiempo, el espectador podría olvidarla o sentirla desconectada. 6. Mantener la coherencia narrativa A lo largo del racconto , el guionista debe asegurarse de que haya consistencia entre lo que el narrador cuenta y lo que el espectador ve. Si el narrador es subjetivo o poco confiable, eso debe reflejarse en la forma en que el pasado es representado. Por ejemplo, en Big Fish , la exageración de los eventos narrados refleja el punto de vista fantástico del padre, mientras que el hijo intenta contrastarlo con la realidad. Este tipo de detalles enriquecen la historia y le dan más profundidad. 7. Cerrar el racconto con una conexión emocional El final del racconto debe impactar tanto la historia del pasado como la del presente. Algunas formas de hacerlo son: Un personaje en el presente cambia su visión tras conocer el pasado ( Los Puentes de Madison , Big Fish ). Un objeto o acción conecta ambas épocas ( Titanic con Rose arrojando el collar). El final del pasado resignifica la historia enmarcada ( El Curioso Caso de Benjamin Button ). Este cierre es lo que diferencia un buen racconto de un simple flashback extendido. Si el pasado no cambia la percepción del presente, la estructura no ha sido bien utilizada. Conclusión Escribir un racconto implica más que contar una historia del pasado: requiere una estructura sólida donde el presente y el pasado estén conectados emocional y narrativamente. Un guionista debe planificar bien la relación entre ambos tiempos, decidir cómo transitar entre ellos y asegurarse de que el cierre le dé un significado profundo a toda la historia. Si estos elementos se trabajan bien, el racconto puede ser una herramienta poderosa para darle a una película una carga dramática y emocional inolvidable. El artículo 717. Técnicas de inicio: Racconto se publicó primero en David Esteban Cubero .…
 
El artículo 716. Excusas de Guionistas: ¿Por qué no estás escribiendo ese largo? se publicó primero en David Esteban Cubero . “No tengo la idea perfecta.” “Primero necesito leer más sobre estructura.” “No estoy listo todavía, me falta experiencia.” Los guionistas somos expertos en buscarnos excusas para procrastinar. De las excusas de guionistas, ¿cuál es tu favorita? En este pódcast, exploraremos 25 de las excusas más comunes que los guionistas utilizamos para evitar empezar a escribir un largometraje y cómo superarlas. Estoy seguro de que te van a sonar más de lo que crees. Antes de la enfermedad, te voy a dar la receta. Es decir, te voy a contar la mejor forma de dejar esas excusas y lanzarte a escribir. Apúntate a la nueva edición de “Operación Vomit Draft. Escribe tu película o serie en 90 días” . Un taller en el que te ayudaré cara a cara a escribir tu proyecto de largometraje o serie. Cada semana a semana os presento un vídeo con lo que debéis hacer y un PDF con ejercicios. Y tenemos un encuentro cara a cara donde resuelvo vuestras dudas y compartimos la historia. Un taller pensado para que por fin puedas terminar tu guion. Comenzaremos el taller la primera semana de febrero y tiene plazas limitadas. Las excusas de guionistas para no empezar un guion Escribir un guion de largometraje es uno de los mayores retos que enfrenta un guionista. Sin embargo, antes incluso de enfrentarse al primer acto, muchos se encuentran atrapados en un ciclo de excusas que les impiden dar el primer paso. Estas excusas no solo reflejan miedos e inseguridades, sino también la complejidad y el compromiso emocional que requiere embarcarse en un proyecto tan grande. En este podcast, exploraremos 25 de las excusas más comunes que los guionistas utilizan para evitar empezar a escribir un largometraje y cómo superarlas. Excusas creativas “No tengo la idea perfecta todavía.” Muchos guionistas caen en la trampa de esperar a que llegue “la gran idea”, ese concepto revolucionario que cambiará el cine. Pero la realidad es que la perfección es enemiga de la productividad. Las grandes historias suelen desarrollarse escribiéndolas, no esperando a que lleguen completas. «Todavía no sé cómo termina la historia.» El miedo a no tener el final claro desde el principio paraliza a muchos. Sin embargo, escribir es un proceso exploratorio, y a menudo, el final surge de forma orgánica durante el desarrollo del guion. Empezar sin saber exactamente dónde terminarás es parte del viaje creativo. «Mi idea ya la hicieron en otra película.» La sensación de que todo está hecho puede desmotivar, pero es importante recordar que lo que hace única una historia es cómo la cuentas, no el concepto en sí. Las emociones, los personajes y las perspectivas personales siempre aportan algo nuevo. «No tengo un tema claro.» Los guionistas suelen sentirse bloqueados porque creen que necesitan definir un mensaje profundo desde el inicio. Sin embargo, muchos temas emergen de manera natural al avanzar en el guion. Dejar que la historia respire es clave. «Tengo demasiadas ideas y no sé cuál elegir.» La abundancia de ideas puede ser abrumadora, pero lo importante es elegir una y comprometerse con ella. Recuerda que puedes guardar las otras ideas para futuros proyectos; ahora es momento de enfocarte. Excusas técnicas «Primero necesito leer más sobre estructura.» La investigación interminable puede ser una forma de procrastinación disfrazada de productividad. Aunque aprender estructura es útil, no hay mejor manera de entenderla que poniéndola en práctica escribiendo. «Mi premisa no está bien trabajada aún.» Muchos se detienen demasiado tiempo puliendo una premisa, esperando que sea impecable. Pero las premisas pueden evolucionar a medida que desarrollas la historia. Lo importante es empezar. «No sé cómo desarrollar los personajes.» La inseguridad sobre la profundidad de los personajes puede ser paralizante. Sin embargo, los personajes cobran vida al enfrentarlos a conflictos reales dentro de la trama. No necesitas tenerlo todo resuelto antes de empezar. «Tengo que investigar más.» La investigación puede ser una trampa infinita si no está enfocada. Aunque es importante conocer el contexto de tu historia, la escritura también puede guiarte hacia lo que realmente necesitas investigar. «No estoy seguro de qué género funciona mejor.» La indecisión sobre el tono o el género puede detenerte, pero recuerda que puedes explorar y experimentar mientras escribes. No necesitas decidir todo desde el principio. Excusas prácticas «No tengo tiempo suficiente.» La falta de tiempo es una excusa común. Pero escribir un guion no requiere sesiones maratónicas; avanzar poco a poco, incluso con 30 minutos al día, es más efectivo que esperar «el momento perfecto». «Necesito encontrar un lugar tranquilo para escribir.» Si bien el entorno puede influir en la concentración, esperar a tener el lugar ideal puede convertirse en una excusa para no empezar nunca. Aprende a escribir donde estés. «No tengo el software adecuado.» La creencia de que necesitas el mejor programa para escribir es solo una distracción. Un simple procesador de texto es suficiente para empezar. Lo importante es el contenido, no la herramienta. «Necesito conseguir un compañero/a de escritura.» Aunque colaborar puede ser útil, no siempre es necesario. Esperar a otra persona para empezar puede retrasarte indefinidamente. Aprende a confiar en tu propio proceso. «Tengo otros proyectos más pequeños que terminar antes.» Priorizar tareas menores suele ser una forma de evitar comprometerse con un proyecto grande. Sin embargo, siempre habrá cosas pequeñas que hacer; el truco es aprender a priorizar lo importante. Excusas psicológicas «No estoy inspirado.» La inspiración es un mito que puede paralizar a los guionistas. En realidad, la creatividad se activa con la acción. Sentarse a escribir, incluso sin ganas, es la mejor manera de encontrar inspiración. «Si empiezo y no me sale bien, será un fracaso.» El miedo al fracaso bloquea a muchos escritores. Sin embargo, un guion inicial nunca es perfecto, y no tiene que serlo. Escribir mal es parte del proceso para escribir bien. «No estoy listo todavía, me falta experiencia.» La inseguridad sobre las propias habilidades puede detenerte, pero la única forma de ganar experiencia es escribiendo. Cada página escrita te acerca a tu mejor versión. «No quiero malgastar esta gran idea en mi nivel actual.» Guardar tus mejores ideas para «más adelante» puede impedirte crecer como guionista. Si es una gran idea, desarrollarla ahora te ayudará a mejorarla. «Nadie va a querer leer este guion.» El miedo al rechazo puede ser paralizante, pero ningún guionista puede predecir cómo será recibido su trabajo. Lo único que puedes controlar es escribir la mejor versión posible. Excusas sociales «Mis amigos/colegas no están trabajando en largometrajes.» Compararte con otros puede ser una trampa. Cada guionista tiene su propio ritmo y camino. Lo importante es avanzar en tu propio proyecto, independientemente de lo que hagan los demás. «Primero necesito conseguir un productor interesado.» Esperar validación externa antes de escribir es una excusa peligrosa. Los productores quieren leer algo tangible; necesitas un guion para captar su interés. «No tengo contactos en la industria para moverlo.» Aunque los contactos son importantes, no son necesarios para empezar. Sin un guion escrito, los contactos no pueden ayudarte. «Tengo que practicar con más cortos antes de dar el salto.» Los cortos son una gran herramienta de aprendizaje, pero no necesitas dominarlos antes de intentar un largo. Cada formato tiene sus propias lecciones, y puedes aprender escribiendo directamente un largometraje. «Escribir un largo es demasiado trabajo para hacerlo solo.» Es cierto que escribir un largometraje es un reto, pero dividirlo en pasos más pequeños lo hace manejable. Escribir una página al día, por ejemplo, hace que el proceso sea menos abrumador. Y el mejor método para superar esas excusas: Apúntate a Vomit Drat El artículo 716. Excusas de Guionistas: ¿Por qué no estás escribiendo ese largo? se publicó primero en David Esteban Cubero .…
 
El artículo 715. Los cuatro borradores de un guion se publicó primero en David Esteban Cubero . Hoy en Guiones y guionistas vamos a sumergirnos en un tema que todos los guionistas enfrentamos: los cuatro tipos de borradores de un guion necesarios para llevar una historia desde la idea inicial hasta la versión final. Estoy hablando del vomit draft, el estructural, el pulido y el de rodaje. Cada uno tiene un propósito: ayudarte a dar forma a una historia convincente y bien estructurada. Antes de habar de los borradores necesarios para un guion antes del rodaje, te voy a hablar del primero, el más necesario porque sin él no llegamos a los demás y porque es en el que suele estancar más gente: el vomit draft. Por eso sacamos una nueva edición de “Operación Vomit Draft. Escribe tu película o serie en 90 días” . Un taller en el que te ayudaré cara a cara a escribir tu proyecto de largometraje o serie. Cada semana a semana os presento un vídeo con lo que debéis hacer y un PDF con ejercicios. Y tenemos un encuentro cara a cara donde resuelvo vuestras dudas y compartimos la historia. Un taller pensado para que por fin puedas terminar tu guion. Comenzaremos el taller la primera semana de febrero. A los interesados comentaros que no lo dejéis para el último día porque hay plazas limitadas. Y ya hay varias plazas ocupadas, porque a los que se habían apuntado en una lista de interesados les envié la información hace cuatro días y ya coparon muchas plazas. Solo tenéis que venir a cursosdeguion.com y buscáis en la parte inferior de la web el enlace a Vomit Draft. Los cuatro borradores de un guion Primer borrador: El Vomit Draft El primer borrador, también conocido como Vomit Draft, es el borrador de descubrimiento, es donde todo comienza. Este es el espacio para ser creativos sin restricciones. El objetivo principal es plasmar tus ideas en papel. En él, puedes experimentar con la trama, los personajes y las ideas sin preocuparte demasiado porque sea perfecto. Lo importante es una sola cosa: sacar la historia. Claves este borrador: Narración de historias: En este borrador, tu objetivo principal es simplemente contar la historia que deseas contar. No importa si los diálogos son torpes, si la gramática no es perfecta o si hay inconsistencias. Este es el momento de dejar que la creatividad fluya sin restricciones. Exploración: Permítete tomar riesgos y explorar diferentes direcciones. Tal vez descubras que un personaje secundario tiene un arco más interesante o que un giro inesperado revitaliza la trama. Este es tu laboratorio creativo, donde no hay ideas equivocadas. El volumen importa más que la calidad: La clave es avanzar. Escribe tantas escenas como puedas, aunque algunas puedan parecer innecesarias o mal desarrolladas. Cada palabra escrita es un paso hacia una versión completa que podrás trabajar más adelante. Errores comunes: Buscar la perfección desde el inicio: Muchos escritores se detienen constantemente para ajustar detalles, lo que interrumpe el flujo creativo y puede generar bloqueos. Dudar constantemente de las ideas : Esto puede llevar a que descartes conceptos prometedores antes de explorarlos completamente. Abandonar el borrador antes de llegar al final : Sin una versión completa, no podrás ver el panorama general ni identificar los elementos clave que necesitan ajuste. Consejos para escribir el primer borrador: Escribe sin juzgar: Deja de lado el editor interno y permítete escribir libremente. Usa cronómetros para crear sesiones de escritura rápidas y enfocadas. Establece metas diarias: Un objetivo de palabras te mantendrá motivado. Recuerda que no importa si la calidad no es alta. Usa marcadores de posición: Si una escena o diálogo te bloquea, escribe una nota como “ESCENA A COMPLETAR” y sigue adelante. Evita editar: Coloca una nota que diga “NO EDITAR” cerca de tu lugar de trabajo como recordatorio constante de que avanzar es más importante que perfeccionar. Segundo borrador: El Borrador Estructural Pasemos ahora al segundo borrador: el estructural. Aquí es donde el caos inicial comienza a tomar forma. Este borrador se trata de refinar la trama, dar coherencia a los eventos y fortalecer los arcos de los personajes. Ahora empiezas a construir el esqueleto que sostendrá tu historia. Claves en este borrador: Trama y estructura: Analiza cada elemento de la historia para detectar inconsistencias, eliminar escenas innecesarias y asegurar que la trama fluya de manera natural. Este es el momento de pensar en los actos, los puntos de giro y el clímax. Desarrollo de personajes: Profundiza en las motivaciones, deseos y miedos de tus personajes. Cada acción debe reflejar su arco emocional y contribuir al desarrollo de la historia. Tema y mensaje: Decide qué quieres que tu público sienta o piense al final de tu guion. Perfecciona estos temas para que se integren orgánicamente en la narrativa. Errores comunes: Apegarse demasiado a escenas o personajes innecesarios : Esto puede dificultar la claridad y el avance de la trama principal. Saturar la historia con eventos o subtramas excesivas : Aunque las ideas adicionales puedan ser interesantes, muchas veces distraen del objetivo central. No ajustar el ritmo narrativo : Un ritmo lento o acelerado puede desconectar al lector o espectador. Consejos para escribir el segundo borrador: Reestructura tu historia: Crea un nuevo esquema basándote en lo que funcionó y lo que no en el primer borrador. Usa herramientas como fichas o programas digitales para visualizar mejor los cambios. Usa una línea de tiempo: Esto te ayudará a asegurarte de que los eventos clave ocurren en el momento adecuado y mantienen el interés del lector. Escribe perfiles detallados de personajes: Párate a escribir desde la perspectiva de tus personajes. Esto te ayudará a refinar sus motivaciones y sus voces únicas. Busca retroalimentación: Comparte tu guion con lectores beta y haz preguntas específicas sobre los puntos que te preocupan. Tercer Borrador: El Borrador Final Llegamos al tercer y último borrador: el pulido final. Este es el momento de brillar. En el borrador pulido se trata de trabajar los detalles: los diálogos, los golpes emocionales y los pequeños ajustes que hacen que tu guion sea inolvidable. Cada línea debe contar y cada escena debe transmitir algo esencial. Claves en este borrador: Lenguaje y estilo: Ajusta cada palabra y frase para maximizar su impacto. Asegúrate de que el tono sea consistente y de que cada diálogo tenga un propósito claro. Gramática y puntuación: Corrige cualquier error técnico. Este paso asegura que tu guion no distraiga al lector con detalles que podrían haberse evitado. Coherencia: Revisa nombres, configuraciones y detalles menores para garantizar que no haya contradicciones o errores que rompan la inmersión. Errores comunes: Cargar los diálogos con demasiada exposición: Esto puede hacer que las conversaciones se sientan poco naturales y pesadas. Descuidar los detalles de coherencia: Errores en nombres, configuraciones o cronologías pueden romper la inmersión del lector. Centrarse solo en la técnica y olvidar el impacto emocional: Un guion técnicamente correcto pero sin alma no conectará con el público. Consejos para escribir el tercer borrador: Lee en voz alta: Esto te ayudará a detectar problemas en la fluidez y a asegurarte de que los diálogos suenan naturales. Crea una hoja de estilo: Mantén un documento de continuidad para rastrear detalles como nombres de personajes, fechas y lugares. Usa herramientas de texto a voz: Escuchar tu guion puede darte una nueva perspectiva y ayudarte a identificar problemas. Toma descansos: Aléjate de tu guion durante unos días entre revisiones para verlo con ojos frescos. Cuarto Borrador: El guion de rodaje Llegamos al cuarto borrador: el guion de rodaje. Este es el momento en que tu guion pasa de ser un documento narrativo a una herramienta de producción. En este borrador, los ajustes se hacen con un ojo en el presupuesto, las localizaciones y las limitaciones logísticas. Se trata de preparar el guion para que sea viable llevarlo a la pantalla. Claves en este borrador: Ajuste a las localizaciones: Asegúrate de que las escenas se puedan rodar en las localizaciones disponibles. Si una ubicación no es viable, considera cambiarla por otra que mantenga la esencia de la escena. Optimización del presupuesto: Reduce o elimina escenas que puedan ser demasiado costosas o complicadas de filmar. Esto puede incluir grandes multitudes, efectos visuales complejos o decorados elaborados. Simplificación logística: Ajusta las transiciones y el orden de las escenas para reducir los cambios de localización o minimizar los tiempos de traslado. Errores comunes: Comprometer la historia por completo al reducir demasiado: Aunque los ajustes son necesarios, es importante no eliminar elementos clave que definan la narrativa o el impacto emocional. No consultar al equipo de producción: Los guionistas pueden pasar por alto problemas logísticos importantes si no colaboran con los productores, directores o diseñadores de producción. Inconsistencias en el flujo narrativo: Cambiar escenas de lugar o reducirlas puede generar problemas de continuidad que afecten al ritmo y a la comprensión de la historia. Consejos para el guion de rodaje: Consulta con el equipo: Trabaja en estrecha colaboración con los productores y el equipo de producción para entender las limitaciones y oportunidades. Mantén la esencia: Al realizar recortes, identifica los elementos esenciales de cada escena y asegúrate de que sobrevivan al proceso. Crea un plan visual: Utiliza storyboards o herramientas digitales para visualizar cómo se verá cada escena en las localizaciones disponibles. Prioriza la eficiencia: Agrupa las escenas por localización y analiza cómo se pueden rodar de manera eficiente sin comprometer la calidad narrativa. Para recapitular: el primer borrador es donde descubres la historia, el estructural es donde la construyes, el pulido es donde la perfeccionas y el de rodaje es donde la haces posible. Cada uno tiene su propósito y sus retos, pero juntos forman el proceso esencial para dar vida a tu guion. ¿Sigues este método o tienes tu propio proceso? ¡Discutámoslo en los comentarios! Y si quieres escribir tu guion, recuerda que ya está abierto el taller Vomit Draft. ¡Nos vemos en el próximo episodio, donde seguiremos explorando los secretos del arte de escribir guiones! ¡Hasta la próxima! El artículo 715. Los cuatro borradores de un guion se publicó primero en David Esteban Cubero .…
 
El artículo 714. Así vendí mi guion: Thelma y Louise se publicó primero en David Esteban Cubero . Hoy continuamos con la serie de pódcast “Así vendí mi guion”, dedicada a ver cómo se escribieron y vendieron los guiones más famosos. Ya vimos El indomable Will Hunting, Rocky, Juno, Pulp Fiction, Being John Malkovich, Little Miss Sunshine, Bailando con Lobos, Stranger Things y Seven . Hoy veremos una de las road movies más influyentes de la historia del cine y su guion: Thelma y Louise . Y, como venimos haciendo en la serie, nos lo van a contar su propia guionista, Callie Khouri. “Un millonario crea un parque temático con dinosaurios clonados… y todo se sale de control.” “La vida entera de un hombre es en realidad un reality show televisado en directo, sin que él lo sepa.” El high concept. Todos sabemos reconocer uno cuando lo vemos. Pero no es tan sencillo crearlos para nuestras historias, aunque son vitales para vender nuestros proyectos y que consigan hacerse algún día. Esta semana voy a dar in TALLER GRATUITO DE HIGH CONCEPT. A lo largo de cuatro días explicaré las claves para que puedas crear el mejor high concept posible para tu historia. Apúntate antes del 16 de enero, que es cuando comienza. El enlace está en la pestaña de High Concept que hay en la parte inferior de la web cursosdeguion.com. Así vendí mi guion: Thelma y Louise por Callie Khouri Mientras trabajaba como asistente de producción en una empresa de Los Ángeles dedicada a anuncios publicitarios y videoclips musicales, comencé a sentir una profunda insatisfacción. Anhelaba crear algo significativo que reflejara las experiencias y desafíos de las mujeres, quienes a menudo eran relegadas a roles pasivos en el cine. Una noche, mientras conducía de regreso a casa, la idea de «Thelma y Louise» surgió en mi mente casi de forma completa. Imaginé a dos mujeres embarcándose en un viaje que desafiaba las convenciones sociales y cinematográficas, otorgándoles el control de su destino en un género dominado por hombres. Al llegar a casa escribí en mi libreta: “Idea para un guion de cine: Dos mujeres se van de viaje y cometen una serie de crímenes.” No fue solo una idea, sino una sensación abrumadora, como si toda la película hubiera aterrizado en mi mente de golpe. Fue un momento visceral y extraño, comparable a darse cuenta de que estás embarazada, ya que sentí que ahora tenía algo que debía desarrollar. Pero esta idea estuvo seis meses en un cajón. Sin experiencia previa en escritura de guiones, no sabía ni cómo empezar. Al final, me lancé a plasmar mi visión. Escribía a mano en mi casa y luego transcribía el texto en la oficina durante mis horas libres. El proceso fue liberador; sentí una conexión profunda con los personajes y la historia que estaba creando. Cuanto más pensaba en ello, más me emocionaba. Quiero decir, ¿qué llevaría a dos mujeres aparentemente normales a cometer un crimen? ¿Por qué harían eso? ¿Por qué yo cometería un crimen? No quería hacer nada sexista, porque estaba produciendo videos musicales y mi sustento dependía de explotar a las mujeres para vender discos. No quería escribir sobre dos mujeres estúpidas o dos mujeres malvadas que se lanzan a cometer crímenes. Quería escribir sobre dos mujeres normales. La definición de mujer que se presenta en las películas y las obras de teatro es muy estrecha y limitante. Cuando actuaba, me di cuenta de que me preguntaba: ¿cuántas veces interpreté a una prostituta? Dramáticamente, parece que una de cada cuatro mujeres es prostituta. ¿Dónde está la gente real? ¿Dónde está la gente que no sea prostituta, que no se venda para tener sexo? Quería escribir algo con mujeres fuertes. Quería escribir algo que, si hubiera sido actriz y hubiera leído el guion, hubiera pensado: tengo que interpretar este papel o me voy a suicidar. Originalmente, imaginé a Louise como una mujer de Texas que trabaja en una gran compañía petrolera en uno de esos edificios gigantescos y, cuando entras, hay alguien sentado detrás de uno de esos grandes escritorios con unos auriculares que dirige a la gente y responde a las llamadas y todo eso. Me la imaginé como una de esas personas que nunca se dieron cuenta de que las mujeres podían ser ejecutivas hasta que vio a una entrar por la puerta principal. Y entonces empezó a preguntarse cómo era posible que todo esto hubiera sucedido sin que ella supiera nada al respecto; ella no era una de ellas y tenía un afán de poder que nunca iba a tener a su disposición. La forma en que se lo habían explicado cuando estaba creciendo era que, como era mujer, su papel era tan limitado que ni siquiera podía concebirse a sí misma como algo así como una ejecutiva. Era el tipo de mujer que se maquilla como Dolly Parton o Naomi Judd; tienen rasgos hermosos, pero si les quitas todo eso, ¿cómo lucen realmente? Quiero decir, ¿podrías reconocer a Dolly Parton sin maquillaje? ¿Sabrías siquiera quién es? Así es como pensé en Louise. Ahora bien, me encanta reír y me encanta la gente divertida. Así que quería que la disfrutarais y la pasaseis bien con ella porque, de alguna manera, estabais viendo a estas mujeres recuperar sus vidas. Aunque pierden la vida al final, las veis a medida que las convenciones de la sociedad se van alejando de su control, de modo que se van convirtiendo cada vez más en ellas mismas. Era genial estar con estas personas y a cualquiera le habría encantado conocerlas si hubiera tenido la oportunidad. Pero cuando empecé a escribir, de repente la vi sacando tazas de café de la bandeja de un autobús y supe que era camarera, que trabajaba en el turno de noche. Era como si dijera: ‘Trabajo en una cafetería’, y trabaja en el turno de noche porque está en un lugar bien iluminado toda la noche, y no en casa, con miedo. Entonces me pregunté qué crimen habían cometido. Sabía que iban a tener que matar a alguien porque necesitaba que fuera un crimen del que no hubiera escapatoria y para el que no hubiera una justificación real. Aunque no pudieras justificarlo, lo pudieras entender. Entiendes completamente por qué esta mujer hizo lo que hizo. Esa es otra de las cosas que nunca he visto abordada en una película, la ira que sienten las mujeres por la forma en que se les habla. En esa situación particular, es casi una respuesta natural. Creo que las mujeres experimentamos todos los días la idea de que la gente pueda hablarte de una manera que, si tuvieras un arma, los matarías. No es que haya algo malo en el mundo en el que vivimos, es solo que no nos hemos adaptado adecuadamente para entenderlo. Las mujeres no conocen su lugar, porque si tenemos que soportar esto, entonces realmente no hay lugar, ¿no es así? Así que sabía que el crimen tendría que ser algo así como un asesinato. Hace varios años, trabajaba como camarera y un día iba caminando por la calle, sin hacer nada, cuando un tipo mayor en un coche empezó a hablarme. Tenía edad suficiente para ser mi abuelo. Lo ignoré, que es lo que se supone que debes hacer en esa situación; ya sabes, no puedo oírte, no puedo verte, puedes decir lo que quieras, no soy un ser humano. Entonces dijo: “Me gustaría verte chupar mi polla”, y me volví loca por un segundo. Me quité las gafas de sol, me acerqué al coche y le dije: “Y a mí me gustaría dispararte en la puta cara”. Eso lo asustó. Este tipo no me conoce de nada, ¿y este es el tipo de cosas que le dice a un completo extraño en la calle? Estaba tan enojada, pero me alegré de haber arruinado su día. Lo asusté, tal vez lo disuadí de volver a hablarle así a otra mujer. Había un riesgo en lo que hice, pero me sentí eufórica porque había respondido como un ser humano normal que se respetaba a sí mismo. Porque no solo me permití sentir enojo, también lo expresé. Lo puse en riesgo, obligándolo a lidiar con las consecuencias de sus propias palabras. Me reí para mí misma durante la siguiente cuadra más o menos hasta que regresé a mi apartamento. Estoy tan contenta de haberlo hecho. La mayoría de las veces la gente te hace esas cosas, y si eres mujer, se supone que simplemente debes ignorarlo. Lo que también me atrajo fue la idea de que hay una parte de ti que realmente no sabes que existe. Y no sabes qué la desencadena. Crees que eres una persona normal y que tienes una vida normal, pero pueden pasar cosas y no sabes realmente qué hay dentro de ti. Ese tipo de relación tenue que tenemos con nuestra vida normal me resultó realmente intrigante. Cómo puede pasar una pequeña cosa y todo tu mundo se desmorona por completo. Quería que el guion fuera como si fueran fichas de dominó cayendo. Tenía que estar basado en la realidad, para que Thelma y Louise nunca estuvieran en una situación que nunca podría ocurrir. Todo tenía que ser real y creíble. Me gustó la idea de esta mujer que simplemente intenta ser normal, porque eso es todo lo que quería ser, pero era completamente imposible. También quería abordar la idea de que Louise se sintiera responsable de lo que sucedió. Empezó a jugar con Jimmy, a creer que no iba a estar en la ciudad cuando él regresara y que esto es lo que le pasa por no ser honesta. Así que siente que precipitó todo. Si te encuentras reprimiendo tus sentimientos o teniendo que jugar juegos, nunca sale nada bueno de eso. Además, para darle más profundidad y dimensión, sabía que algo le tenía que haber pasado a Louise, algo que no iba a revelar, y yo no sabía qué era. No supe qué le había pasado hasta más o menos la mitad del guion. Y ella nunca lo iba a revelar, nunca más se iba a abrir de esa manera. Por eso a veces es hostil con Thelma, porque sentía que si realmente lo hubiera intentado, todo el asunto se podría haber evitado, que es realmente como se siente la sociedad. No me permití decir que la habían violado. Nunca lo dije en el guion. Añadimos una referencia al respecto hacia el final porque Ridley Scott pensó que la gente al terminar la película diría: “Bueno, ¿qué pasó?”. En realidad no importa lo que le pasó a Louise. Lo que le pasó a ella le pasó a ella. Hay miles y miles de mujeres que andan por ahí, que tienen algo en su pasado que no conocemos y que merecen ser tratadas con respeto, hayamos tenido algo que ver con ello o no. Una vez finalizado el guion, enfrenté el desafío de encontrar apoyo para llevarlo a la pantalla. Recibí múltiples rechazos; muchos consideraban que el final no sería bien recibido por el público y cuestionaban la representación de mujeres reaccionando con violencia ante situaciones de opresión. La oportunidad llegó cuando pedí a Amanda Temple, esposa del director Julian Temple y amiga mía, que leyera el guion. Amanda quedó impresionada y accedió a ayudarme a buscar productores interesados. Uno de los contactos a los que llegó fue Mimi Polk, quien trabajaba con Ridley Scott. Polk leyó el guion y se lo presentó a Scott. Yo temía que un director de renombre como él descartara mi trabajo, pero Scott quedó impresionado por la historia y decidió producir la película, adquiriendo los derechos por $500,000. En un giro inesperado, Scott también decidió dirigirla, lo que dio al proyecto un respaldo crucial. Aunque inicialmente había pensado en dirigir la película yo misma, entendí que Scott tenía los recursos y la experiencia necesarios para llevar el proyecto a cabo. A partir de ahí, Ridley Scott se involucró como productor y director, lo que facilitó la financiación y atrajo a un elenco destacado, incluyendo a Susan Sarandon y Geena Davis. Durante la producción, me involucré profundamente en cada etapa, desde la preproducción hasta la elección del elenco y el rodaje. Mi colaboración con Ridley Scott fue esencial para mantener la integridad de la historia, especialmente en escenas clave como la tentativa de violación y el desenlace final. El estreno de “Thelma & Louise” en 1991 superó mis expectativas. La película no solo resonó con el público, sino que también generó debates sobre la representación de las mujeres en el cine y la sociedad. Recibí el Óscar al mejor guion original, un Globo de Oro y un premio literario PEN, lo que consolidó mi convicción de que las historias auténticas y valientes tienen el poder de generar un impacto duradero. En lo que a mí respecta, Thelma y Louise son personas reales. Una vez leí algo que dijo Geena Davis en una entrevista. Dijo: “Sé que si quisiera saber qué tipo de pasta de dientes usaba Thelma, podría llamar a Callie y ella lo sabría”. Y cuando leí eso, pensé: Bueno, usa el tipo con rayas rojas, verdes y azules, lo que tenga más color. Durante todo el tiempo que escribí, sentí que estaba contando una historia real. Y todo lo que tenía que hacer era esperar a que alguien me contara la siguiente parte. El artículo 714. Así vendí mi guion: Thelma y Louise se publicó primero en David Esteban Cubero .…
 
El artículo 713. Los cuatro humores: Una herramienta clásica para crear personajes se publicó primero en David Esteban Cubero . ¿Cómo son tus personajes coléricos o sanguíneos? ¿Sabes cómo crear personajes pensado en los cuatro humores? Hoy en Guiones y Guionistas analizamos la técnica de los cuatro humores y vemos cómo podemos utilizarla para crear personajes más memorables. Y para prepararnos para el 2025 he preparado una masterclass que me estabais pidiendo desde hace mucho: “Escribir para plataformas” . Las plataformas de streaming han transformado totalmente el negocio audiovisual y están generando mucho trabajo para los guionistas en el mundo entero. Pero, ¿Sabes la diferencia entre los originals y las licencias? ¿Sabes lo que es una IP y por qué es tan importante? ¿Qué etapas pasa un guionista en un proyecto en plataforma desde la idea hasta el lanzamiento? Lo explico todo en la masterclass que ya está disponible para todos los suscriptores de cursosdeguion.com Los cuatro humores de la personalidad Desde la Antigua Grecia hasta nuestros días, la teoría de los cuatro humores ha sido una herramienta poderosa para comprender la personalidad humana. Aunque en la actualidad esta teoría ha sido superada por avances en psicología y neurociencia, su aplicación en la escritura de guiones sigue siendo sorprendentemente útil. Cada humor —sanguíneo, melancólico, colérico y flemático— ofrece un marco para crear personajes ricos, diversos y emocionalmente resonantes. Puedes profundizar sobre el tema en el Curso de Desarrollo de Personajes. La raíz histórica de los Cuatro Humores Hipócrates, el médico griego considerado el padre de la medicina, desarrolló la teoría de los cuatro humores en el siglo V a. C. Según esta idea, el cuerpo humano estaba compuesto por cuatro fluidos principales: sangre, bilis amarilla, bilis negra y flema. El equilibrio o desequilibrio entre estos fluidos determinaba tanto la salud física como el temperamento de una persona. Teofrasto y otros filósofos griegos elaboraron una relación entre los humores y el carácter de las personas. Así, los individuos con mucha sangre eran sociables, aquellos con mucha flema eran calmados, aquellos con mucha bilis eran coléricos, y aquellos con mucha bilis negra eran melancólicos. La idea de la personalidad humana basada en humores fue una base para las comedias de Menandro y, más tarde, las de Plauto. Aunque hoy sabemos que esta teoría no tiene base biológica, su influencia perduró durante siglos y se integró en la cultura y el arte. En la escritura de guiones, esta clasificación puede servir como una guía para definir la personalidad de los personajes y sus conflictos internos. Los Cuatro Humores aplicados al guion Cada humor representa un conjunto de rasgos que podemos asignar a nuestros personajes para dotarlos de una identidad clara y reconocible. Veamos cada uno con más detalle, incluyendo ejemplos icónicos del cine y la literatura y cómo analizar personajes contemporáneos utilizando esta teoría: Sanguíneo: El Extrovertido Apasionado Rasgos principales : Optimista, extrovertido, impulsivo, amante de la diversión. Fortalezas : Carisma, energía, habilidad para inspirar a otros. Debilidades : Falta de constancia, tendencia a evitar responsabilidades. Ejemplo : Peter Quill (Star-Lord) en Guardianes de la Galaxia . Su personalidad burbujeante y su inclinación por el humor lo convierten en un líder carismático, aunque a menudo su impulsividad genera conflictos. Ejemplo literario : Elizabeth Bennet en Orgullo y prejuicio . Su ingenio y vivacidad la hacen destacar, aunque su impulsividad y orgullo a veces la llevan a malentendidos. En el guion, los personajes sanguíneos suelen aportar dinamismo y ligereza. Son ideales para aligerar momentos tensos y conectar emocionalmente con la audiencia. Melancólico: El Pensador Profundo Rasgos principales : Introspectivo, sensible, perfeccionista, propenso al pesimismo. Fortalezas : Creatividad, profundidad emocional, compromiso con ideales elevados. Debilidades : Tendencia a la autocrítica, dificultad para adaptarse al cambio. Ejemplo : Amélie Poulain en Amélie . Su sensibilidad y su deseo de ayudar a los demás la convierten en un personaje profundamente entrañable, pero también aislado por su timidez. Ejemplo literario : Hamlet en Hamlet de William Shakespeare. Su introspección y tendencia a la duda lo convierten en un personaje melancólico clásico, atrapado en la reflexión constante sobre la moralidad y la venganza. En los guiones, los melancólicos suelen ser personajes introspectivos que invitan a la reflexión. Funcionan bien en historias centradas en el crecimiento personal o en la exploración de temas filosóficos. Colérico: El Ambicioso Intenso Rasgos principales : Determinado, ambicioso, dominante, a veces agresivo. Fortalezas : Líder nato, enfoque en objetivos, capacidad para superar adversidades. Debilidades : Impaciencia, tendencia al conflicto, dificultad para comprometerse. Ejemplo : Walter White en Breaking Bad . Su transición de profesor de química a señor de la droga refleja la intensidad y el desequilibrio de un colérico llevado al extremo. Ejemplo literario : Lady Macbeth en Macbeth de William Shakespeare. Su ambición desmedida y su determinación la convierten en un ejemplo claro de un colérico que actúa sin contemplar las consecuencias. Los personajes coléricos son ideales para generar tensión y conflicto en la narrativa. Su presencia garantiza momentos de alta carga emocional y giros dramáticos. Flemático: El Pilar de Calma Rasgos principales : Tranquilo, leal, confiable, a veces pasivo. Fortalezas : Paciencia, estabilidad emocional, habilidad para mediar en conflictos. Debilidades : Resistencia al cambio, tendencia a evitar confrontaciones. Ejemplo : Samwise Gamgee en El Señor de los Anillos . Su lealtad y serenidad lo convierten en el apoyo indispensable para Frodo en su misión. Ejemplo literario : Atticus Finch en Matar a un ruiseñor . Su calma y su enfoque racional lo convierten en un personaje flemático ejemplar, actuando como la brújula moral de la historia. En el guion, los personajes flemáticos suelen actuar como anclas emocionales, equilibrando a personajes más explosivos y proporcionando momentos de reflexión. Combinaciones de Humores Análisis de personajes en películas o series contemporáneas Para analizar personajes de una película o serie contemporánea a partir de esta teoría, se pueden seguir los siguientes pasos: Identifica el humor dominante: Observa el comportamiento, las motivaciones y los conflictos principales del personaje. Por ejemplo, en Ted Lasso , Ted puede considerarse un flemático por su paciencia y enfoque positivo, mientras que Rebecca, al inicio de la serie, muestra características coléricas por su ambición y determinación. Observa las interacciones: Analiza cómo el humor del personaje impacta sus relaciones. Por ejemplo, en Stranger Things , Dustin (sanguíneo) aporta ligereza y humor a los momentos tensos, contrastando con el carácter melancólico de Will. Identifica la evolución del personaje: ¿Cambia su humor dominante a lo largo de la historia? Por ejemplo, en The Crown , la Reina Isabel II comienza con un enfoque flemático, pero desarrolla rasgos coléricos al asumir más control y autoridad. Analiza las combinaciones: Los personajes complejos suelen mezclar humores. Por ejemplo, Tony Soprano en The Sopranos combina características coléricas (su liderazgo) con melancólicas (su introspección y tendencia a la autocrítica). Estas herramientas permiten desglosar las personalidades y los arcos de los personajes contemporáneos para comprender cómo sus humores contribuyen al conflicto y a la narrativa. Un personaje no tiene por qué limitarse a un solo humor. Las combinaciones pueden generar personalidades complejas y multifacéticas. Por ejemplo: Tony Stark (Iron Man) : Una mezcla de colérico (su ambición y liderazgo) y sanguíneo (su carisma y humor). Sherlock Holmes : Predominantemente melancólico, con toques de colérico en su afán por resolver misterios y desafiar a quienes lo rodean. Estas combinaciones permiten que los personajes evolucionen a lo largo de la historia, enfrentando sus fortalezas y debilidades en diferentes situaciones. Humores en Relación La interacción entre personajes de diferentes humores es una fuente rica de conflicto y conexión. Algunos ejemplos clásicos: Sherlock Holmes (melancólico) y John Watson (flemático) : Una relación de equilibrio donde Watson modera los excesos de Sherlock. Luke Skywalker (melancólico) y Han Solo (sanguíneo) : Sus diferencias crean tensión, pero también una amistad que enriquece la narrativa. Conflictos más interesantes entre humores opuestos Sanguíneo vs. Melancólico El sanguíneo ve el mundo con optimismo y busca la diversión, mientras que el melancólico es introspectivo y tiende al pesimismo. Esto puede generar conflictos cuando el sanguíneo minimiza problemas importantes y el melancólico siente que no es tomado en serio. Ejemplo : Un sanguíneo impulsivo podría organizar un plan arriesgado mientras que el melancólico analiza todos los riesgos, lo que lleva a discusiones sobre responsabilidad y visión. Colérico vs. Flemático El colérico, ambicioso y dominante, puede frustrarse con la calma y la pasividad del flemático, mientras que este último podría sentirse abrumado por la intensidad del colérico. Ejemplo : Un colérico que busca resultados inmediatos podría chocar con un flemático que prioriza el proceso sobre la velocidad, creando un conflicto entre eficiencia y paciencia. Sanguíneo vs. Colérico La impulsividad y el amor por la diversión del sanguíneo pueden entrar en conflicto con la ambición y el enfoque del colérico, quien puede percibir al sanguíneo como superficial o irresponsable. Ejemplo : Un colérico obsesionado con una misión importante podría enfurecerse con un sanguíneo que busca distracciones o que trivializa la situación. Melancólico vs. Flemático Aunque ambos tienden a evitar confrontaciones directas, el melancólico puede frustrarse con la aparente falta de iniciativa del flemático, mientras que este último podría sentirse presionado por la autocrítica constante del melancólico. Ejemplo : Un melancólico obsesionado con la perfección podría chocar con un flemático que prefiere una solución pragmática y «suficientemente buena». Aplicación práctica para guionistas Paso 1: Identifica el humor dominante Piensa en qué tipo de personalidad encaja mejor con la historia que estás contando. ¿Necesitas a alguien impulsivo que traiga energía? Opta por un sanguíneo. ¿Buscas un líder intenso y ambicioso? Elige un colérico. Paso 2: Define fortalezas y debilidades Cada humor tiene aspectos positivos y negativos. Establece cómo estas características influirán en el comportamiento del personaje y en los conflictos que enfrentará. Paso 3: Diseña un arco narrativo El crecimiento de un personaje puede basarse en su humor. Por ejemplo, un melancólico puede aprender a ser más optimista, o un colérico podría desarrollar paciencia. Asegúrate de que su evolución sea coherente con su personalidad inicial. Paso 4: Equilibra tu elenco Un conjunto diverso de personajes con diferentes humores genera dinámicas más ricas. Considera cómo sus personalidades interactúan y generan conflicto o colaboración. Paso 5: Experimenta con combinaciones No todos los personajes tienen un solo humor dominante. Juega con combinaciones para crear personalidades únicas. Por ejemplo, un personaje puede ser mayormente sanguíneo, pero con un toque melancólico que lo haga introspectivo en ciertos momentos clave. Paso 6: Observa y ajusta A medida que escribes, evalúa cómo funcionan los humores en tu historia. ¿Están cumpliendo su función? ¿Necesitas ajustar sus rasgos para mejorar el ritmo o el desarrollo? Conclusión La teoría de los cuatro humores es mucho más que una curiosidad histórica. Es una herramienta valiosa para guionistas que buscan crear personajes únicos, relacionables y emocionalmente impactantes. Ya sea que estés desarrollando un protagonista profundo o un secundario memorable, esta teoría ofrece una base sólida para explorar la psicología y el conflicto humano. ¡Anímate a experimentar con los humores y descubre cómo pueden transformar tus historias! El artículo 713. Los cuatro humores: Una herramienta clásica para crear personajes se publicó primero en David Esteban Cubero .…
 
El artículo 712. Cómo interpretar el controvertido final de Lost se publicó primero en David Esteban Cubero . Y para terminar el año voy a hablar de unos de los finales más polémicos de la historia: ¿Qué significa realmente el final de Lost ? ¿Genialidad o decepción? ¿Lo entendimos todo? Hoy en Guiones y guionistas reflexionamos sobre un final que dividió al mundo. Y para prepararnos para el 2025 he preparado una masterclass que me estabais pidiendo desde hace mucho: “Escribir para plataformas” . Las plataformas de streaming han transformado totalmente el negocio audiovisual y están generando mucho trabajo para los guionistas en el mundo entero. Pero, ¿Sabes la diferencia entre los originals y las licencias? ¿Sabes lo que es una IP y por qué es tan importante? ¿Qué etapas pasa un guionista en un proyecto en plataforma desde la idea hasta el lanzamiento? Lo explico todo en la masterclass que ya está disponible para todos los suscriptores de cursosdeguion.com Lost: Reflexiones sobre un final que dividió al mundo Ya hablamos de Lost en el pódcast anterior que dedicamos a sus villanos . 1. La doble narrativa del final El final de Lost se estructura en dos planos narrativos principales: los eventos en la isla y la “realidad alterna” presentada durante la última temporada. Inicialmente, esta realidad parece ser una línea temporal paralela en la que los personajes llevan vidas diferentes, sin el peso de los traumas que los definieron en la isla. Sin embargo, en el último episodio se revela que esta “realidad alterna” es en realidad un espacio metafísico donde los personajes, ya fallecidos, se reúnen para recordar sus vidas y encontrar redención antes de «seguir adelante» juntos. Esta estructura ofrece una perspectiva emocionalmente poderosa. Mientras que la trama de la isla se centra en el conflicto final entre Jack y el Hombre de Negro, la realidad metafísica resalta la importancia de las conexiones humanas y el legado emocional de los personajes. Este enfoque dual permite que el final aborde tanto los aspectos físicos como espirituales de la historia, cerrando de manera simbólica los arcos narrativos de los personajes. La revelación de la «realidad alterna» como un purgatorio emocional dividió a los espectadores. Para algunos, fue una resolución poética que enfatizó los temas de redención y conexión; para otros, fue confusa o anticlimática al no ofrecer respuestas concretas a los misterios de la serie. Este punto es clave para entender por qué el final de Lost sigue siendo tan debatido. 2. El destino de los personajes en la isla En la línea de la isla, el conflicto culmina con Jack aceptando su rol como protector del «corazón de la isla» y enfrentándose al Hombre de Negro, que busca destruirla para escapar. Jack logra derrotar al Hombre de Negro con la ayuda de sus amigos, pero se sacrifica para restaurar el equilibrio de la isla, cerrando así su arco de redención. Su muerte no solo simboliza su evolución como líder, sino también el cumplimiento de su destino. Otros personajes encuentran caminos diferentes. Kate, Sawyer, Claire, Richard, Miles y Lapidus logran escapar en el avión, mientras que Hurley asume el rol de protector de la isla con Ben como su consejero. Estas decisiones finales reflejan la evolución individual de cada personaje y cómo afrontan el cierre de sus historias personales. La diversidad de destinos subraya la riqueza de los arcos narrativos y cómo cada uno encuentra su propia forma de redención. El sacrificio de Jack y las decisiones de los demás también refuerzan el tema central de la serie: la importancia de las elecciones individuales y cómo estas afectan el destino colectivo. Al enfocarse en los destinos personales, el final brinda un cierre satisfactorio a los personajes principales, aunque deja abiertas preguntas sobre el futuro de la isla. 3. El simbolismo del «corazón de la isla» El «corazón de la isla» se presenta como una fuente de energía misteriosa que sustenta la vida y el equilibrio del mundo. Es un lugar cargado de simbolismo, representando tanto el ánima de la isla como el centro del conflicto entre Jack y el Hombre de Negro. Cuando este último intenta apagarlo para destruir la isla y escapar, Jack arriesga su vida para restaurarlo, demostrando su compromiso con el sacrificio por un bien mayor. El «corazón de la isla» también sirve como una metáfora del equilibrio entre el bien y el mal, y entre el destino y el libre albedrío. La lucha por controlarlo refleja las tensiones filosóficas que han estado presentes a lo largo de la serie. Mientras que el Hombre de Negro busca destruirlo por resentimiento, Jack lo protege, aceptando su rol como guardián y abrazando su destino. Este elemento también conecta con el tema de la fe, ya que los personajes deben creer en el valor intrínseco de la isla y sus misterios. Aunque no se explica completamente, su simbolismo permite interpretaciones abiertas, lo que lo convierte en un elemento narrativo poderoso que encapsula los temas centrales de Lost . 4. La importancia de la conexión humana El mensaje principal del final de Lost es que las conexiones humanas son lo más importante. En la «realidad alterna», los personajes redescubren sus vínculos al recordar sus vidas en la isla, lo que les permite aceptar sus muertes y «seguir adelante». Este espacio metafísico no es solo un purgatorio, sino también un lugar de sanación y reconciliación. La serie subraya que, más allá de los misterios y conflictos, lo que realmente importa es el impacto que los personajes tienen en las vidas de los demás. Este enfoque refuerza el tema de que la isla fue un catalizador para el crecimiento personal y la redención a través de las relaciones. Los momentos en que los personajes «despiertan» y se recuerdan entre ellos están cargados de emotividad y simbolismo. Al priorizar las conexiones humanas sobre las respuestas a los misterios, Lost ofrece un final que es más emocional que lógico. Este enfoque divide opiniones, pero también destaca como una declaración valiente sobre lo que realmente importa en una historia de este tipo. 5. El debate sobre las respuestas pendientes El final de Lost dejó muchos misterios sin resolver, como el origen exacto del Humo Negro, las reglas de Jacob, o la naturaleza de los poderes de la isla. Esta falta de resoluciones concretas generó críticas por parte de los espectadores que esperaban explicaciones claras después de seis temporadas de enigmas. Sin embargo, los creadores de la serie han defendido esta decisión, argumentando que Lost siempre fue una historia centrada en los personajes y sus viajes emocionales. Según esta visión, los misterios eran secundarios al desarrollo humano y a los temas de redención y conexión. Esta perspectiva invita a los espectadores a interpretar los misterios de manera personal y subjetiva. El debate sobre las respuestas pendientes también refleja las expectativas de la audiencia hacia la narrativa televisiva. Lost marcó un cambio en cómo las historias serializadas pueden priorizar la experiencia emocional sobre la resolución lógica, un enfoque que sigue influyendo en series modernas. 6. La recepción crítica y del público El final de Lost generó opiniones divididas desde su emisión. Algunos lo elogiaron como un cierre emocionalmente satisfactorio que encapsulaba los temas centrales de la serie, mientras que otros lo criticaron por dejar demasiados misterios sin resolver y por su enfoque en el simbolismo espiritual. Para los defensores del final, la última escena, en la que los personajes se reúnen en la iglesia antes de «seguir adelante», es un momento conmovedor que resalta la importancia de las conexiones humanas. Este desenlace refuerza la idea de que Lost siempre fue una historia sobre las personas, más que sobre la isla o sus misterios. Sin embargo, los detractores sintieron que el final no estuvo a la altura de las expectativas generadas por las complejidades narrativas de las primeras temporadas. Esta división de opiniones es una de las razones por las que el final de Lost sigue siendo un tema de debate aún hoy. 7. Paralelismos y referencias culturales El final de Lost está cargado de referencias filosóficas, religiosas y culturales. La idea de un «purgatorio» donde los personajes enfrentan sus traumas antes de trascender está inspirada en conceptos de varias tradiciones espirituales, como el budismo, el cristianismo y el hinduismo. La iglesia donde se reúnen incluye símbolos de diferentes religiones, subrayando el tema de la universalidad. Además, la narrativa de redención y sacrificio en la isla tiene paralelismos con mitos clásicos, como el viaje del héroe. Jack, como figura central, sigue este esquema al aceptar su destino, enfrentarse al antagonista y sacrificarse por un bien mayor. Este arco conecta a Lost con tradiciones narrativas atemporales. Estas referencias culturales enriquecen la experiencia del final, invitando a los espectadores a interpretarlo desde diferentes perspectivas filosóficas y emocionales. También refuerzan la idea de que Lost es una historia con significados múltiples y una resonancia universal. 8. El legado del final A pesar de la controversia, el final de Lost ha dejado un legado duradero en la televisión moderna. Su enfoque en las emociones y las conexiones humanas por encima de los misterios ha influido en series posteriores, como The Leftovers y Westworld , que también priorizan la experiencia emocional sobre las resoluciones fácticas. El final también marcó un precedente en cómo las historias serializadas pueden desafiar las expectativas del público. Al optar por un desenlace abierto y subjetivo, Lost demostró que el cierre de una serie puede ser tanto una declaración filosófica como una resolución narrativa. Hoy en día, el final de Lost sigue siendo un punto de referencia para discutir cómo las series televisivas abordan sus conclusiones. Su impacto cultural y la discusión que genera son testimonio de su relevancia y de cómo redefinió las expectativas del medio. El artículo 712. Cómo interpretar el controvertido final de Lost se publicó primero en David Esteban Cubero .…
 
El artículo 711. Los villanos de Lost: Más que simples antagonistas se publicó primero en David Esteban Cubero . Lost es una serie que marcó un antes y un después en la historia de la televisión. ¿Cuáles son sus claves de guion? ¿Por qué es una serie tan relevante? Hoy analizo los villanos de Lost para descubrir cómo esta serie redefinió a los antagonistas en televisión. Acaba el año y es el momento de plantearse el año próximo. ¿Te gustaría escribir algún proyecto? ¿Película, serie, corto…? Tengo que darte una mala noticia. No basta con proponérselo, hay que planificar cuándo y cómo hacerlo. Por eso he preparado el reto Planifica tu año de guionista en 7 días . Para participar en el reto tan solo debes venir a cursosdeguion.com, a la zona de retos , y apuntarte escribiendo tu nombre y mail en el formulario. A partir del 27 de diciembre, recibirás 7 e-mails, uno por día, con las instrucciones de planificación. (Solo participan en el reto los miembros de la academia apuntados antes del 26 de diciembre). Los villanos de Lost El uso de los villanos en Lost fue novedoso y rompió esquemas en varios aspectos, lo que contribuyó a la profundidad narrativa de la serie y su impacto cultural. Veamos 10 claves de guion de Lost para crear y desarrollar sus villanos. 1. Ambigüedad moral Uno de los aspectos más impactantes de los villanos en Lost es su ambigüedad moral. A diferencia de los antagonistas tradicionales que encarnan el mal absoluto, los villanos de esta serie tienen motivaciones que oscilan entre el egoísmo y un deseo genuino de proteger o lograr algo importante. Por ejemplo, Ben Linus, quien se posiciona como un antagonista central, actúa muchas veces de forma despiadada y manipuladora, pero sus acciones están impulsadas por la necesidad de proteger la isla, que considera un lugar sagrado. Este conflicto interno hace que sea difícil etiquetarlo como puramente malvado. Otro ejemplo claro de esta ambigüedad moral es el Hombre de Negro, también conocido como el Humo Negro. Aunque se le presenta como la principal amenaza de la serie, su historia de origen revela una tragedia personal: fue traicionado y convertido en un ser oscuro contra su voluntad. Su deseo de abandonar la isla no es necesariamente malvado, sino el resultado de siglos de aislamiento y sufrimiento. Esta complejidad genera empatía en el espectador y hace que los conflictos sean mucho más interesantes. Este enfoque también afecta la manera en que el público percibe la lucha entre héroes y villanos en la serie. Los límites entre el bien y el mal se difuminan, haciendo que los espectadores cuestionen sus propias definiciones de moralidad. Esta ambigüedad es una de las razones por las que Lost se destaca como una serie innovadora y compleja. 2. Villanos camaleónicos En Lost , los villanos no siempre son quienes parecen ser. Esta cualidad camaleónica hace que la narrativa sea impredecible y mantenga a los espectadores constantemente en vilo. Ben Linus, por ejemplo, se presenta inicialmente como Henry Gale, un sobreviviente inocente. Sin embargo, más tarde se revela que es el líder de Los Otros, un grupo que inicialmente es percibido como antagonista. Esta transición no solo sorprende al espectador, sino que también enriquece la trama al jugar con las expectativas. El Humo Negro también explota esta ambigüedad al tomar la forma de John Locke en las últimas temporadas. Este cambio no solo desestabiliza a los personajes, sino también a los espectadores, que ven a un personaje querido convertido en el rostro del mal. Esta táctica narrativamente audaz permite a la serie explorar cómo las percepciones de los personajes pueden influir en sus acciones y decisiones. Esta capacidad de los villanos para adaptarse y cambiar mantiene a la audiencia comprometida y refuerza el tema central de Lost : nada es lo que parece. Al desdibujar las líneas entre aliado y enemigo, la serie desafía las convenciones tradicionales del género y eleva la calidad de su narrativa. 3. La isla como un villano difuso En Lost , la isla misma actúa como una fuerza antagonista abstracta, lo que representa un enfoque innovador en la construcción de villanos. La isla no tiene un rostro ni una voz clara, pero constantemente pone a prueba a los personajes, tanto física como emocionalmente. Desde misteriosos ataques de osos polares hasta extrañas visiones, la isla parece tener una voluntad propia que desafía y manipula a quienes habitan en ella. Esta representación de la isla como villano también está ligada a los conceptos de destino y libre albedrío. Los personajes a menudo se preguntan si sus acciones son propias o si están siendo guiados por la voluntad de la isla. Esto genera una tensión psicológica constante, ya que los sobrevivientes intentan comprender qué papel juegan en este misterioso entorno. La isla se convierte así en una metáfora de las luchas internas y externas que enfrentan los personajes. El hecho de que la isla nunca sea completamente explicada también contribuye a su carácter como villano. Al igual que un gran misterio, mantiene a los espectadores intrigados y genera debates sobre sus verdaderas intenciones. Este enfoque innovador transforma a la isla en un antagonista único en la historia de la televisión. 4. El villano colectivo: Los Otros La introducción de Los Otros como un villano colectivo en Lost marcó un giro interesante en la narrativa. Al principio, este grupo es presentado como una amenaza unificada y misteriosa. Sus acciones, como los secuestros y ataques, los posicionan como enemigos aterradores para los sobrevivientes del vuelo 815. Sin embargo, a medida que se desarrolla la historia, se revela que Los Otros también tienen sus propias motivaciones y conflictos internos. Esta humanización de un “villano colectivo” es poco común en las series de televisión. Descubrimos que Los Otros no son simplemente una fuerza malévola, sino un grupo de personas que creen estar actuando bajo las órdenes de una entidad superior, Jacob, para proteger la isla. Incluso dentro de su jerarquía, hay desacuerdos y luchas de poder, como las tensiones entre Ben Linus y Charles Widmore. El enfoque en Los Otros permite a Lost explorar temas más profundos, como la dinámica de grupo, la fe ciega en una causa y las consecuencias de seguir órdenes sin cuestionarlas. Esto convierte a Los Otros en mucho más que simples antagonistas, enriqueciéndolos como parte fundamental de la narrativa. 5. Enfoque en la manipulación psicológica En lugar de depender de la fuerza bruta, muchos de los villanos en Lost utilizan la manipulación psicológica como su principal herramienta. Ben Linus, en particular, es un maestro en este arte. Desde el momento en que es capturado y finge ser un sobreviviente inocente, Ben juega con las emociones y lealtades de los personajes para alcanzar sus objetivos. Sus interacciones con Jack, Sawyer y Locke son ejemplos claros de cómo explota las inseguridades y deseos de los demás. El Humo Negro también recurre a la manipulación para dividir a los sobrevivientes. Al tomar la forma de personas queridas, como Christian Shepard o incluso John Locke, utiliza el dolor y la vulnerabilidad de los personajes para avanzar en su agenda. Esto crea una capa adicional de tensión, ya que los personajes y los espectadores no pueden confiar en sus propios sentidos. Este enfoque en la manipulación psicológica no solo hace que los villanos sean más amenazantes, sino también más interesantes. En lugar de recurrir a la violencia directa, sus acciones exploran los aspectos más oscuros de la psicología humana, lo que eleva la calidad de la narrativa. 6. Confusión entre héroes y villanos Uno de los aspectos más innovadores de Lost es cómo desafía las categorías tradicionales de héroes y villanos. Muchos personajes, como Sayid y Sawyer, comienzan con comportamientos que podrían considerarse villanescos, como la tortura o el engaño. Sin embargo, a lo largo de la serie, se redimen y demuestran su capacidad para actuar heroicamente. Esta evolución compleja hace que los personajes sean más humanos y realistas. Por otro lado, personajes inicialmente percibidos como héroes también muestran su lado oscuro. Jack, por ejemplo, toma decisiones egoístas y comete errores graves en su intento de liderar. Locke, quien inicialmente parece ser un hombre sabio y espiritual, termina siendo manipulado por el Humo Negro, causando grandes tragedias. Esta confusión deliberada entre héroes y villanos refleja uno de los temas centrales de Lost : la complejidad de la naturaleza humana. Al desafiar las categorías simples, la serie invita a los espectadores a reflexionar sobre sus propias nociones de moralidad y redención. 7. Introducción progresiva de villanos más grandes Uno de los elementos narrativos más distintivos de Lost es su introducción escalonada de amenazas y villanos. En lugar de presentar un gran antagonista desde el principio, la serie comienza con conflictos entre los propios sobrevivientes. Estas tensiones internas sientan las bases para la narrativa mientras lentamente se introducen enemigos externos, como Los Otros, que al principio parecen ser la mayor amenaza. Conforme la historia avanza, la serie amplía el panorama al revelar a personajes como Charles Widmore, quien representa intereses externos que buscan explotar los secretos de la isla. Widmore es un villano que combina ambición personal con un trasfondo misterioso, lo que aumenta la complejidad del conflicto. A medida que los personajes descubren más sobre él, su amenaza se convierte en algo más global y menos inmediato que la de Los Otros. Finalmente, el gran villano de la serie, el Humo Negro, emerge como una entidad más allá de los conflictos humanos. Este antagonista cósmico y sobrenatural conecta la narrativa personal de los personajes con los grandes temas filosóficos de la serie, como el bien y el mal, el libre albedrío y el destino. Este aumento gradual en la escala y complejidad de los villanos es uno de los logros más memorables de Lost . 8. La lucha entre fe y ciencia como conflicto villanesco En Lost , los villanos a menudo personifican posturas filosóficas opuestas, representando la tensión entre la fe y la ciencia como eje central del conflicto. Ben Linus y el Hombre de Negro, por ejemplo, están alineados con el lado de la fe y el destino. Ben actúa impulsado por su creencia en Jacob y su misión divina de proteger la isla, mientras que el Hombre de Negro se presenta como una figura trágica atrapada en un papel impuesto por fuerzas superiores, representando la inevitabilidad del destino. Por otro lado, personajes como Charles Widmore y, en ciertos momentos, Jack Shepard, encarnan la ciencia y el pragmatismo. Widmore busca explotar los secretos de la isla utilizando un enfoque metódico y calculador, mientras que Jack, inicialmente un hombre de ciencia, lucha por reconciliar sus valores racionales con las realidades sobrenaturales de la isla. Este choque constante entre ambos enfoques no solo crea tensiones entre los personajes, sino que también profundiza los dilemas éticos y existenciales de la serie. Esta dualidad transforma el conflicto villanesco en algo más significativo que una simple lucha entre el bien y el mal. Al confrontar fe y ciencia, Lost plantea preguntas sobre el propósito de la vida, el papel de las creencias y la naturaleza del control humano frente a lo desconocido. Los villanos no solo son oponentes, sino también símbolos de las fuerzas que moldean las decisiones y los destinos de los personajes. 9. Villanos atados al contexto de la isla En Lost , los villanos no son ajenos al entorno de la historia, sino que están intrínsecamente vinculados al contexto de la isla. Ben Linus, por ejemplo, creció en la isla y sus acciones están motivadas por su devoción hacia Jacob y su percepción de la isla como un lugar sagrado. Esta conexión profunda hace que su antagonismo sea más comprensible y que sus acciones tengan un peso emocional mayor. El Humo Negro también está directamente ligado a la isla, no solo como un ser atrapado en ella, sino como una manifestación de su historia y conflictos. Su existencia está relacionada con eventos clave en el pasado de la isla, como su transformación tras el enfrentamiento con Jacob. Este villano no puede separarse del entorno, lo que lo convierte en una amenaza que está arraigada en la misma esencia de la narrativa. Incluso Charles Widmore, aunque externo a la isla, tiene una conexión con su historia y misterios. Su ambición de controlarla y explotarla está vinculada a su conocimiento de sus propiedades únicas. Este vínculo contextual hace que los villanos de Lost no sean intercambiables, sino esenciales para el mundo y la historia de la serie. 10. Villanos que evolucionan junto a la trama Una de las características más notables de los villanos en Lost es cómo evolucionan junto a la trama. Ben Linus, por ejemplo, comienza como un manipulador despiadado y líder de Los Otros, pero a lo largo de la serie sufre una transformación significativa. Se convierte en un personaje más vulnerable, incluso redimiéndose parcialmente en sus acciones finales. Esta evolución lo hace más humano y tridimensional. El Humo Negro también evoluciona en términos de cómo es percibido. Inicialmente, es una amenaza abstracta y aterradora. Sin embargo, a medida que se revela su historia de origen, su papel cambia a ser una figura trágica atrapada en un ciclo de venganza y sufrimiento. Este cambio no solo enriquece su carácter, sino que también aporta una nueva perspectiva sobre los temas centrales de la serie. Esta capacidad de los villanos para transformarse refleja la narrativa dinámica de Lost . Al igual que los héroes, los antagonistas no son estáticos; sus arcos están entrelazados con los giros de la historia, lo que los hace impredecibles y más interesantes. Este enfoque asegura que cada revelación y conflicto tenga un impacto emocional duradero en los espectadores. El artículo 711. Los villanos de Lost: Más que simples antagonistas se publicó primero en David Esteban Cubero .…
 
El artículo 710. De la Distopía al Multiverso [nuevo libro] se publicó primero en David Esteban Cubero . Hoy estamos de fiesta porque presento mi nuevo libro titulado “De la Distopía al Multiverso. Subgéneros cinematográficos para el siglo XXI”. En promedio, se producen más de 10,000 películas al año en todo el mundo. Por eso es normal que cualquier guionista o cineasta se pregunte, ¿cómo podemos hacer una película hoy en día que quiera ser vista? Para contestar esa pregunta llevo unos meses investigando qué subgéneros cinematográficos son los que están abriendo más caminos para contar historias hoy en día. Y te desvelo los 17 más relevantes en mi nuevo libro: “De la Distopía al Multiverso. Subgéneros cinematográficos para el siglo XXI” . Y si lo consigues antes de que acaben las fechas navideñas, doy un enlace para descargarse unas cartas imprimibles con todos los subgéneros. Acaba el año y es el momento de plantearse el año próximo. ¿Te gustaría escribir algún proyecto? ¿Película, serie, corto…? Tengo que darte una mala noticia. No basta con proponérselo, hay que planificar cuándo y cómo hacerlo. Por eso he preparado el reto Planifica tu año de guionista en 7 días . Para participar en el reto tan solo debes venir a cursosdeguion.com, a la zona de retos , y apuntarte escribiendo tu nombre y mail en el formulario. A partir del 27 de diciembre, recibirás 7 e-mails, uno por día, con las instrucciones de planificación. (Solo participan en el reto los miembros de la academia apuntados antes del 26 de diciembre). ¿Cómo consigo el libro? Lo primero informarte que puedes encontrar el libro en Amazon. Está digital y en papel (tapa blanda y tapa dura). Tú eliges cómo. Si lo quieres como regalo navideño en papel , cómpralo ya para que dé tiempo a que lo impriman y te lo envíen a casa. Cómpralo en el Amazon en el que compres habitualmente. En España es Amazon.es y fuera en Amazon.com o el Amazon local de México o Brasil… De la Distopía al Multiverso: subgéneros cinematográficos para el siglo XXI El cine siempre ha sido un reflejo del tiempo en el que se crea, adaptándose a los cambios culturales, tecnológicos y sociales que lo atraviesan. Sin embargo, en el siglo XXI, esta evolución ha alcanzado nuevas alturas, dando lugar a subgéneros que han revolucionado las formas de contar historias. Desde narrativas innovadoras que desafían las estructuras tradicionales hasta mundos alternativos que amplían los límites de nuestra imaginación, el cine actual explora también las inquietudes más íntimas y colectivas de nuestra época. Algunos de estos subgéneros comenzaron a gestarse en el siglo XX, con ejemplos como This Is Spinal Tap para el falso documental o 1984 en el terreno de las distopías. Pero ha sido en este siglo cuando han alcanzado su madurez y se han consolidado como propuestas narrativas influyentes. Otros, en cambio, han surgido como respuestas directas a los cambios sociales, tecnológicos y culturales recientes. En este contexto, tres conceptos clave han definido la evolución del cine contemporáneo. El primero, Cuéntalo de otra forma , engloba subgéneros que trastocan las estructuras narrativas tradicionales, desafiando al espectador con nuevas formas de percibir y experimentar el relato. Desde el falso documental hasta el cine rodado en tiempo real, estas historias reconfiguran la relación entre el público y lo que ve, ampliando los límites de la narrativa cinematográfica. El segundo, Un mundo nuevo , se adentra en las narrativas que trascienden la realidad tal como la conocemos, creando futuros distópicos, pasados alternativos y universos paralelos. En estas historias, los mundos no son meros escenarios, sino personajes por derecho propio que reflejan nuestras esperanzas, miedos y dilemas existenciales. Desde las distopías más sombrías hasta las expansiones de universos detallados o los multiversos infinitos, estos relatos nos transportan a lugares que, aunque ficticios, resuenan profundamente con nuestra realidad. El tercero, Intereses actuales , explora las preocupaciones más personales y colectivas del presente. Aquí, el cine se convierte en un espejo que refleja nuestras identidades, nuestros deseos y nuestras obsesiones. La autoficción, el cine de identidad, el true crime, el minimalismo del mumblecore y el drama deportivo se entrelazan para capturar el pulso de un mundo en constante cambio, conectando con las experiencias humanas más íntimas. Estos tres conceptos no solo estructuran este libro, sino que también encapsulan el espíritu del cine en el siglo XXI: un arte en constante reinvención, capaz de mirar hacia dentro, hacia fuera y hacia el infinito. A través de sus múltiples formas y enfoques, estas narrativas nos invitan a cuestionar el mundo que habitamos, las historias que contamos y las perspectivas desde las que las experimentamos, consolidando al cine como un medio siempre vivo y transformador. Os leo la contraportada del libro: Viaja a través de los límites del cine contemporáneo para descifrar el presente y soñar el futuro ¿Cómo desafiar al espectador con nuevas formas de contar historias? ¿Qué temas reflejan nuestras identidades, deseos y obsesiones actuales? ¿Cómo crear universos ficticios que resuenen con nuestra realidad? ¿Cómo escribir películas que miren hacia dentro, hacia fuera y hacia el infinito? Este libro muestra 17 subgéneros cinematográficos que están revolucionando la forma de contar historias en el s. XXI, proporcionando las claves de guion para escribirlos Usa el mockumentary y el found footage para narrar ficciones como reales. Crea mindfuck movies para manipular la percepción del espectador. Gana intensidad con el Cine Confinado y narraciones “a tiempo real”. Proyecta futuros oscuros con Distopías y presentes alternativos con Ucronías. Expande ideas hacia múltiples realidades coexistentes gracias al multiverso. Diseña y da vida a mundos imaginados gracias al worldbuilding . Explora cómo la tecnología redefine nuestra humanidad con el techno-thriller . Utiliza la autoficción para convertir tu vida en una historia. Adopta un enfoque minimalista con el subgénero mumblecore . Y el libro viene con un bonus que podrán descargarse los compradores, tanto los que lo compren en digital como los que lo hagan en papel. Mientras escribía el libro se me ocurrió que para aprender los conceptos y entrenarte en el uso de los subgéneros estaría bien crear unas cartas, como hice en libro de “Del MacGuffin al Cliffhanger. 25 Recursos narrativos de la caja de herramientas de un guionista”. Y diseñé las 17 cartas que representan los conceptos del libro. Están en un PDF que los compradores del libro podrán descargarse. Después solo hay que imprimirlas y cortarlas para tenerlas operativas. Estarán disponibles para los que lo compren en período navideño. Si quieres echar un ojo a la portada y contenido del libro antes de comprarlo, puedes hacerlo en Amazon.es (para España) y Amazon.com (resto del mundo). El artículo 710. De la Distopía al Multiverso [nuevo libro] se publicó primero en David Esteban Cubero .…
 
El artículo 709. Así vendí mi guion: Seven se publicó primero en David Esteban Cubero . Hoy continuamos con la serie de pódcast “Así vendí mi guion”, dedicada a ver cómo se escribieron y vendieron los guiones más famosos. Ya vimos El indomable Will Hunting, Rocky, Juno, Pulp Fiction, Being John Malkovich, Little Miss Sunshine, Bailando con Lobos y Stranger Things . Hoy veremos uno de los thrillers más influyentes de la historia del cine: Seven. Y, como venimos haciendo en la serie, nos lo van a contar su propio guionista, Andrew Kevin Walker. Acaba el año y es el momento de plantearse el año próximo. ¿Te gustaría escribir algún proyecto? ¿Película, serie, corto…? Tengo que darte una mala noticia. No basta con proponérselo, hay que planificar cuándo y cómo hacerlo. Por eso he preparado el reto Planifica tu año de guionista en 7 días . Para participar en el reto tan solo debes venir a cursosdeguion.com, a la zona de retos , y apuntarte escribiendo tu nombre y mail en el formulario. A partir del 27 de diciembre, recibirás 7 e-mails, uno por día, con las instrucciones de planificación. (Solo participan en el reto los miembros de la academia apuntados antes del 26 de diciembre). Así vendí mi guion: Seven. Por Andrew Kevin Walker Me llamo Andrew Kevin Walker, puede que mi nombre no te suene, pero si te hablo de la película Seven seguro que sí. La historia de cómo escribí y conseguí vender el guion de Seven es un reflejo de los altibajos personales y profesionales que viví en una etapa crucial de mi vida. Es una experiencia que está marcada por la desesperanza, el esfuerzo creativo y una buena dosis de casualidad. Todo comenzó cuando me gradué en producción cinematográfica en la Universidad Estatal de Pensilvania en 1986. Como muchos recién graduados, tenía grandes sueños de hacer cine, pero también me enfrenté a una realidad muy distinta: sin conexiones en la industria, con pocas oportunidades a la vista y muchas cuentas que pagar. Decidí mudarme a New York con la esperanza de encontrar un camino que me llevara hacia mi sueño, pero la ciudad no me recibió con los brazos abiertos. Viví en New York desde 1986 hasta 1991, y allí viví el auge de muchas cosas propias de la ciudad, como la creciente epidemia de crack. Viviendo en New York Terminé trabajando en Tower Records, vendiendo música mientras intentaba escribir en mi tiempo libre. La vida en New York era un desafío diario. Me sentía pequeño, insignificante, aplastado por la magnitud de la ciudad y por la frialdad de su gente. Cada día, caminaba por calles grises, observando la indiferencia y la dureza que parecían impregnar cada rincón. Recorriendo sus calles, fui testigo de crímenes y pecados que se desarrollaban abiertamente en cada esquina. Esta exploración me dio la idea de un individuo que se obsesionaba deliberadamente con estos pecados. Y esa sensación de desesperanza se transformó en un caldo de cultivo para la historia que eventualmente se convertiría en Seven . Mientras tanto, luchaba con la frustración de no encontrar un espacio en la industria del cine. Necesitaba expresar mi creatividad y exorcizar las emociones oscuras que se acumulaban en mí. Fue entonces cuando comencé a desarrollar la idea de un asesino en serie que utilizaba los siete pecados capitales como base para sus crímenes. Lo que más me interesaba no era solo el misterio, sino también explorar la naturaleza humana y cuestionar cómo el mal puede infiltrarse en la vida cotidiana. El guion nació como una manera de procesar mis propias luchas internas. Desde el principio, quise que la historia fuera brutal, directa y profundamente moral. La idea del asesino en serie, John Doe, no era simplemente un villano; era un reflejo extremo de la sociedad, alguien que creía estar “corrigiendo” el mundo a través de actos atroces. Por otro lado, los detectives Somerset y Mills eran dos caras de la humanidad: la experiencia cínica y la inocencia apasionada. Tengo claro que si no hubiera vivido en New York, probablemente no habría escrito Seven nunca. Buscando agente Una vez que terminé el guion, sabía que tenía que hacer algo con él. Comencé a buscar conexiones en la industria y envié el guion a quien estuviera dispuesto a leerlo. Fue entonces cuando contacté a David Koepp, un guionista con experiencia que había trabajado en proyectos como Jurassic Park . Él no me recibió directamente, pero lo hizo su asistente y tuve la suerte de que se lo diera a leer. Koepp leyó el guion y vio algo en él. Entonces se lo entregó a su representante, Phyllis Carlyle, que contactó conmigo. Fue gracias a su recomendación que mi trabajo llegó a manos de la compañía italiana Penta Film que se hizo con los derechos del guion. La opción se pagó al mínimo del gremio de la WGA, lo que me permitió vivir bien en comparación con Tower Records. Obviamente, no era dinero para “que te jodan”, pero era suficiente para mudarme del este al oeste y comprarme un Toyota, no un Rolls, y para vivir en un apartamento con un compañero de cuarto. Y así fue como decidí mudarme a Los Ángeles, la tierra prometida para los aspirantes a cineastas. Era un salto al vacío, pero no tenía nada que perder. Cambiando el guion Inicialmente, el proyecto fue asignado al director Jeremiah S. Chechik, conocido por películas como National Lampoon’s Christmas Vacation . Chechik quería un enfoque mucho más convencional y solicitó cambios significativos, incluyendo la eliminación del final original. En mi versión, la historia culminaba con la impactante escena de la cabeza de Tracy, la esposa de Mills, dentro de una caja. Chechik pensó que ese final era demasiado oscuro y quiso sustituirlo por algo más optimista. Aunque intenté cumplir con sus demandas, sentía que la historia estaba perdiendo su esencia. Las reescrituras comprometían el tono y los temas que eran fundamentales para mí. La desesperación creció; después de todo, Seven era mi visión, mi catarsis personal, y ahora parecía estar siendo moldeada por otras manos. A mí me gustaba ese tono sombrío y ese final abierto porque hay mucho mal por ahí, y no siempre vas a tener la satisfacción de tener algún tipo de comprensión de por qué es así. Esa es una de las cosas que más asusta a la gente sobre los asesinos en serie. Como la opción del guion estaba por expirar y Penta Film estaba atravesando dificultades financieras (lo que llevó a su disolución en 1994), el estudio vendió los derechos al productor Arnold Kopelson, quien lo llevó a New Line Cinema. Chechik abandonó el proyecto y se contactó a Guillermo del Toro y Phil Joanou para reemplazarlo; los dos rechazaron la oferta porque encontraron la historia demasiado sombría. Y aparece Fincher El destino intervino de una manera inesperada. En un giro accidental, David Fincher recibió el proyecto. Fincher había tenido una mala experiencia con su primera película Alien 3 , y había quedado muy desencantado del cine. Cuando leyó el guion, Fincher dijo que le interesaba el proyecto y mencionó que había una cabeza en la caja. Los de la productora respondieron: “Oh, no, no, no. Te enviamos el borrador equivocado”. Y luego le enviaron el borrador de Jeremiah Chechik, que había sido reescrito en gran medida y tenía un final completamente diferente. Cuando lo leyó, Fincher dijo: “No, no me interesaría hacer esto, yo quiero la otra versión del guion”. Sí, fue un error, no recibió el guion retocado que estaba circulando por la productora, sino el primer guion que había escrito. Fincher quedó fascinado con la historia y vio la oportunidad de explorar su sensibilidad oscura en Seven . Él se convirtió en un defensor clave para preservar el final original. Insistió en dirigir la película solo si se mantenía la versión más oscura del guion. Fincher no estaba solo en su defensa del final. Brad Pitt, quien había sido elegido para interpretar a Mills, también insistía en que el desenlace permaneciera intacto. Para él, esa escena final era crucial para el impacto emocional de la historia. Morgan Freeman, quien interpretó al detective Somerset, también apoyó la visión de Fincher. Este respaldo colectivo fue decisivo para que New Line Cinema aceptara seguir adelante con el final original. El rodaje de Seven fue una experiencia surrealista para mí. Ver a estos actores talentosos dar vida a mis personajes y observar a Fincher trabajar con una precisión obsesiva fue un sueño hecho realidad. Fincher transformó lo que estaba en la página en una experiencia visual y emocional que superó mis expectativas. Cada toma estaba impregnada de la oscuridad y la tensión que había imaginado mientras escribía. La escena final, la famosa «What’s in the box?» ( ¿Qué hay en la caja? ), se convirtió en uno de los momentos más icónicos del cine. Fue un riesgo enorme, ya que no solo era un desenlace impactante, sino también una declaración de principios sobre cómo contar historias que desafían las expectativas del público. Cuando Seven se estrenó en 1995, el impacto fue inmediato. Críticos y espectadores quedaron divididos por su brutalidad y su pesimismo, pero la mayoría reconoció su audacia y originalidad. La película no solo fue un éxito de taquilla, sino que también se convirtió en un referente dentro del género del thriller. Mantenemos el final La cabeza dentro de la caja asustó a mucha gente creativamente, gente que estaba decidiendo si hacer esta película, si invertir dinero en ella. Mike De Luca, de New Line, lo defendió, pero hubo otras voces en el proceso que decían: “¿Qué pasa si el tipo sale al final y hay una caja y abres la caja y hay un monitor de televisión que muestra que el personaje de Gwyneth Paltrow está en peligro, pero luego podemos salvarla?”, ese tipo de cosas. Así que, como digo, gracias a Dios por Fincher, gracias a Dios por Brad, gracias a Dios por Morgan, gracias a Dios por De Luca, gracias a Dios por Kevin Spacey, gracias a Dios por todas las personas que se pusieron firmes y dijeron: “Mira, este es el final apropiado”. No hay nada de malo en los finales positivos, es solo que el final oscuro de Seven era de lo que se trataba. Cambiar el final por algo diferente era eliminar el corazón mismo de la historia. Se trata del “optimista Mills”, el personaje de Brad Pitt, enfrentándose a este tipo de detective pesimista y hastiado de Somerset, el personaje de Morgan Freeman. Esos puntos de vista dramáticamente opuestos se empujan y tiran entre sí a lo largo de la historia. Y luego, una vez que se confirma el pesimismo, incluso para el optimista que ha estado argumentando que la lucha siempre vale la pena, ¿el pesimista, a la luz de la confirmación de todas sus peores predicciones, se quedará o se irá? Como guionista, cuando te embarcas en un proyecto y no te llevas bien con el director… tienes que elegir si te quedas y reescribes el material o tal vez sientes que estás arruinando tu propio material. Dicho esto, si le hubiera dicho a Jeremiah Chechik durante el proceso de reescritura de Seven: “¿Sabes qué? No estoy de acuerdo con deshacerme de este material y cambiar el final y ambientarlo en una especie de iglesia quemada, y deshacerme de la cabeza en la caja, etc. Así que dejo el proyecto”. Si hubiera hecho eso, no habría estado aquí para la casualidad, la suerte, el destino de que Fincher recibiera el guion equivocado. Él podría haber recibido mi guion, pero habría sido al menos uno, tal vez varios guionistas más adelante, y probablemente habría seguido adelante con esos otros escritores. Mirando hacia atrás, me doy cuenta de que Seven no habría sido posible sin el apoyo de personas como Koepp, Fincher y los actores, pero también sin las experiencias oscuras que viví en Nueva York. Ese periodo de mi vida, tan lleno de incertidumbre y dolor, me dio la voz para escribir una historia que resonara con la complejidad de la condición humana. Un recordatorio de que, a veces, los momentos más difíciles pueden dar lugar a las obras más emotivas. Puedes encontrar la primera versión del guion Seven en la web del guionista El artículo 709. Así vendí mi guion: Seven se publicó primero en David Esteban Cubero .…
 
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